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摄影常识 ... no reply

嘲风 — Fri, 18 Sep 2009 16:36:03 +0800

原作：雷斯林（未经许可，请勿转）

我很久以前写的一篇稿子里的
忘记有没有在这边发过了。
发过就重发一下，喜欢摄影的朋友看看。

**************************

想让一个男人破产，就送他一部相机。有人说。
然而我们热爱摄影和旅游，这种热爱源自对城市囚笼愈加深刻的叛逆意识。
在这里，我想和大家聊聊摄影。说一些菜鸟守则，对摄影基本概念的理解，如何追逐光线，一些摄影特殊效果的傻瓜拍摄方法，还有我去过的那些地方的风土人情、四季风景以及路线选择等等。

对于摄影，我们都是新手，或曾经是新手。
我在青海遇到过一个香港的朋友，他是由于患上婚前抑郁综合症，因而出来散心的（简单的说，就是逃婚）。一年内他走了云南、四川、青海、新疆、**五个省，还在拉萨住了半年学习藏文。当我遇到他的时候，他已经浪子回头，悬崖勒马，打算回香港结婚了事。大家道左相逢，难免八卦一番。看到我拿单反相机，他立刻拖我到网吧，开始显摆他这一年来拍的照片。
看完之后，我深沉的拍了拍他的肩膀，问他是否还有机会重走一次？
我想这次出逃如果是他今生最后的疯狂，那我就不打击他了。
他也许是个老驴，但摄影上绝对是个菜鸟。花一年时间，走了上万公里的旅程，却留不下几张值得骄傲的照片，人间惨剧啊。
所以我想先说说当新手的时候会遇到的一些基本问题，让我们在出行前玩转手里的相机。

看清楚你的相机
相机分传统相机和数码相机。我们聊的对象只限于数码DC和单反相机。数码DC，指的是面对家庭和商业使用的，不可更换镜头的数码相机。单反相机全名单镜头反光相机，多数是摄影爱好者和专业人士使用，镜头可以更换（镜头很贵...）。当然，要是你拿莱佧＋数码后背，当我什么都没有说，给我你地址，我去打劫你。

不要用AUTO模式
数码相机上一般都有数种模式，其中M模式为全手动，P模式为程序自动，AUTO为全自动，其他还有A和S，还有一些场景模式。很多新手刚拿到数码相机，就把模式设为AUTO，本着器材决定一切，象素高才是硬道理的原则，杀向景区。这绝对是误解，因为一个数千元数码DC的AUTO模式出来的照片，不会比200元的傻瓜机照得更好，而更贵的单反机AUTO模式出来的照片，甚至比DC还差。
因为对摄影来说，起决定性作用的是相机后面的那个头。相机的价格，衡量的只是你创作的自由程度。
所以远离AUTO模式，让自己参与到摄影的活动中来，这才能逐渐了解摄影。
一开始，我建议用P模式，程序自动。在P模式，相机会根据光线对快门和光圈进行组合，别的如ISO、曝光模式、白平衡等，都需要大家自己去选择。这些概念，随便找个知道的人说一下，就基本搞得清楚。剩下的，随着拍摄经验的积累，你会逐渐明白。这些参数中，诸如白平衡、ISO有时也会有AUTO模式，建议大家杜绝使用任何带AUTO字样的东西。在你去试验的时候，你也许会出几张废片，那是在为将来的好片打基础。如果你用AUTO，你就只能期望自己是个PhotoShop高手了。

什么是美景杀手
当你站在巴颜喀拉山口，浓重的白云横亘在海拔5000米的山腰，云上面是闪耀的延绵雪峰，云的下面是奔流的通天河，更远处是湛蓝的天空。
把手从快门上拿下来，对，别看别人，就是说你。
不要急着拍照，先好好的体味那种震撼，然后再决定你要拍摄什么。
给每张照片一个主题，很多摄影的教材都这么说。其实就是在这风景里，什么吸引你的眼睛，什么让你感动？想明白这些，再拿起相机，把那些地方拍摄下来。
构图是最基本的拍摄手法。
没有必要拍那么多全景照片，复杂的景物元素，往往不是新手能够控制的，通常出来的片子看起来都很杂乱，缺少明确的主题。试着简化你的画面，让云和山组合，或者捕捉鹰掠过雪峰的身影，甚至一小片即将融化的冰雪。
构图的时候把画面纵向三等分，横向三等分，把最想表达的部分放在等分线的交叉处，这是构图的基本原则。
至于什么是美景杀手？
这是我们对那种兴冲冲的跑到风景前，大喊着“给我在这儿拍张照片！”的人的尊称。到此一游，毁了多少美景。

美好时光
我不是说海苔。
对于一个摄影的人来说，勤勉是必须的。
摄影，就是对于光影的捕捉。一个平淡的房间，会因为一束投射的光柱而显得神秘；一片苍黄的秋草，也会因为迟暮的阳光，而分外的悲凉。
摄影的人做的最多的是守候，守候到光线恰好的那一刻。等夕阳走进云中，等森林的影子把木屋遮盖，那就是摄影者的美好时光。把那一刻留住的人是幸福的。因为天气在变，季节再变，时间在变，当那一刻凝固在你的照片中之后，再也没有人能够完整的重复一次，你拥有了世界的一个快照。
早晨太阳刚刚升起的前后十几分钟，下午四点以后到天黑之前，这两段时间光线柔和，色彩温暖，物体的阴影明显，是最佳的拍摄时光。真正的摄影爱好者，会在黎明前最黑的时候，赶到拍摄点架好相机，先拍上几张样张试机，然后静静等候朝阳升起。
太懒的人，还是搞个大光圈的相机拍室内人像吧。

让我们从头开始吧
凡事皆有始。谁说的我忘记了，某个跟萨特很熟的哲学家。
SO，拿起相机，让我们从头开始吧。
不过，这儿我要说，后悔吧。大多数人，几乎每个人，轻易的就把第一次按快门的时刻断送了。不过我崇拜的一个老大，邮购了相机之后便忘记了，半年之后才翻出来按了第一次快门，真是高山仰止啊。
开始的时候，不妨随便走走拍拍，找找感觉。不管是花花草草、乱石丛云、天空大海、东方明珠，照着自己的感觉去拍。摄影的成长过程其实相当漫长，所以并不急于一时的成长。如果不能沉迷于摄影，并享受这个过程，那很快就会放弃。
扫街之后，拿回去一看，总是让人郁闷非常。
我想，这种郁闷就像一个诅咒，会伴随摄影的过程很多年。至少我每次打开了拍摄的文件夹，粗粗浏览一遍之后，都会被打击得颓废很久。
我记得有本书，说美国国家地理杂志的图片记者，每十五公斤胶片才能产生一张可以刊登出来的图片。所以当我们看到美国国家地理杂志上面，那惊为天人的图片时，却很少会去想那失败的十五公斤。当然，那十五公斤里面，多半还有大量不错的照片，但是达到期望的永远是少数罢了。
所以，颓废的时候，不妨想想自己也有了大师般的感受，这么想也许会好受些。
我有一个朋友，早在G3时代，就花大钱进了一台数码相机。从此他走南闯北，谋杀了不少的美景。四五年来，他的摄影技术可以说一点进步都没有，但是每次都很开心的拿出照片来和大家分享，并非常的享受摄影的过程。而另外的一个朋友，多年来守着他的FM2，偶尔拿出来拍一拍，几乎每张照片都有着明显的变化，有着近乎天才的敏锐，但是他不喜欢摄影。我说这个，只是证明人的多样性。

学习吧
好好学习，天天向上。
了解摄影知识，多数的人会有三个选择，到网上的论坛去“听课”；阅读摄影书籍；或者找个懂的人问问。
希望去论坛听课的，我建议去“色影无忌”，算是中文摄影论坛里面最好的一个，只是近年来高手流失很多。只是要注意几点：
一、多看少问。上面真牛假牛装牛的人都很多，你虚心的询问，换来了也许是劈头盖脸的一阵暴瓷。而且真明白的有，不懂装懂的更多，分辨最终还要靠自己；在了解清楚之前，也最好不要冒然把自己拍摄的照片发上去，让大家品评。
二、别中毒。论坛上有很多“器材党”，张口“大兔子”（佳能1DS MARKII，顶级数码相机），闭口“金广角”、XZP（尼康顶级镜头），看多了你就以为自己拍片不好主要是器材问题，琢磨着更新器材。实际上，先把手里的器材用明白，破产的机会将来多着呢；那些总把几万的器材说得轻飘飘的人，实际上可能连个DC还是傻瓜的，他也就是YY一把而已。
有个兄弟，中毒花了14000买了XZP之后，郁闷的到论坛上说，XZP好是好，就是太沉了，出门跟军事拉练似的。然后感慨到处有人说XZP好，就是没人说XZP沉，估计真有的没几个啊。
三、别拿尼康、佳能说事儿。论坛上尼康、佳能各有无数死党，火拼混战时有发生，在能拿出有说服力的“证据”之前，新人还是别趟这淌浑水。
看书的，我建议先看《纽约摄影教材》，这本书一共上下两册，是几乎每个摄影爱好者的入门书籍。书店一般能买到，网上也能下载中文版。当然，好书请支持正版。如果因为买相机已经破产的，还是去网上下载好了，追求进步不是错啊。
问人的。还是那句老话，“偏听则暗，兼信则明”。多问几个人，别让别人的视野限制了你的脚步。

over

至刚刚加入单反行列的新人 ... 1 reply

嘲风 — Wed, 02 Sep 2009 11:44:31 +0800

首先必须要恭喜大家砸锅卖铁割肉滴血义无返顾势在必得昂首挺胸的加入数码单反相机的行列！

现在，这些大家伙们都摆在你们面前了，我首先要告诉你们的是：这是一个工具！工具就是要被使用的，这是它们价值的体现，所以，不要让它们躺在你的包包里睡大觉，拿出来，使用！

接下来要说的是，很多人认为要拍出好照片必须要进入专业学校学习或是要首先钻研器材、技术、光圈、光线等等... 我要告诉你们这些条件可以去学习但不是必须的！更重要的是要懂得如何思考，喜欢读书，去更多的了解世界。技术在这里并不是最重要的，怎么使用相机也不是最重要的，最重要的是学会去观察你周遭的世界。

好奇心非常重要！你们都走过很多路，见过很多不同的人，经历过风雨，有故事... 那么，你们会将这种资本和素质通过相机转换到照片当中来么？这个世界上有无数无数的人，现在相机技术也在不断发展，谁都可能拍出一两张好看的照片。但只有很少的一部分人能够通过照片讲述故事，这就像在写一部小说。你们将来会用相机拍到很多照片，但这些照片是否有力量？是否能表达些什么？是否能讲述故事？所以，我建议你们要扩大阅读，多思考周围的世界，多考虑故事，而不是仅仅停留在这张照片用了多大的光圈和多少的快门。从技术的角度来讲，可能你们拍的照片并不完美，但从讲述的故事来说也许会非常吸引人，这就是你们拥有的和别人拥有的不同的资本。你们会去看一些摄影方面的书，当你们翻开这些书时，要去想，如果是我我会怎么拍？

很多人习惯于在阳光很好的时刻拍摄，有太阳、有阴影、色彩很漂亮。很多人并不会拍这样的场景，他们大多只会走过这个场景，天很灰暗，下着雨，宁可等着太阳出来去拍所谓的更漂亮的照片，尽管这个场景已经在阳光下被拍摄了千万次了。你们会怎么做呢？比如：今天太阳很毒，所有人都撑着伞；或今天雨很大，所有人都撑着伞。这应该是你对这个场景的感受，无论任何条件，保持敏感很重要，在你们被感动的时候，你的相机应该拥有在你身边的权利。

要有欲望，当然是指拍摄的欲望，欲望来源于内心的感动，感动来源于不能停止的脚步，SO... 加油吧!!!

以上废话大家完全可以忽略，其实相机是为了增加快乐，别因为有了它，搞得自己负担那么重。

放松... 深呼吸... 咔嚓...

佳能500D、尼康D90 初学者选择哪个更好 ... 1 reply

嘲风 — Sat, 29 Aug 2009 10:59:34 +0800

500D

对于单反来说，只有全幅和非全幅的区别，在同一画幅下买价钱相对便宜的是首选
其次500D和D90的市场定位同属入门级，性能可说旗鼓相当：

1.500D和D90同属APS-C画幅，所以在画质上没有本质区别
2.500D的像素要比D90高300万（1500万对1200万）
3.快门速度同样是最快1/4000秒，LCD同样是92万像素
4.对焦能力D90稍强点，11点对500D的9点，另外NIKON对焦模式多一点
4.连拍500D稍逊（3.4张对4.5张）
5.500D的高清视频比D90强（500D支持1920×1080 20帧/每秒的全高清，1280×720可以达到30帧/每秒，D90只支持1280×720 24帧/每秒）
6.500D机身稍逊，500D机身塑料，D90也是塑料机身+前面一半金属内框架
7.手感D90稍好，多个肩屏和一个拨盘
8.500D体积更小更轻便（480G对上D90的620g）
9.500D的套头比D90的差，但是价钱也相差1000多（18-55IS对18-105VR）
10.佳能的镜头群更加丰富，选择性更加多
11.佳能的售后比NIKON做的好，各种活动免费清洗CCD很多

『我的收藏夹』一些比较好的摄影网址！ ... no reply

嘲风 — Sun, 24 May 2009 11:01:19 +0800

《中国摄影》电子版
http://www.cphoto.com.cn/

【三色在线】
http://3sew.myrice.com/bar_on_bottom.html

东方摄影社区系统
http://www.photoeast.com/bbs/default.asp

黑白
归类摄影网址~~~

数码画廊，摄影的数码处理和纯粹的数码图像 http://www.willmaster.com/gallery/

数码摄影和图像，比较深入介绍和评价数码相机 http://www.digitalphoto.com.nf/

数码短课程，提供各种数码知识 http://www.shortcourses.com/

数码焦点，数码摄影图像的最佳网站之一 http://www.digfocus.com/

CNET照相机，数码相机行情 http://www.cnet.com/Content/Gadgets/Special/DigcamTC/index.html

数码相机资源专栏，既新又快的数码相机新闻和产品的发布页面 http://www.dcresource.com/

数码摄影检阅，对数码产品做出评价 http://www.inconference.com/digicam/index.html

数码摄影展览，探索照相机和电脑的创意技巧 http://www.bradley.edu/exhibit95/

数码相机指导，更为专业的数码相机网站 http://www.plugin.com/digitalcameraguide/index.html

数码之眼，最新数码相机和数码产品 http://www.image-acquire.com/

图像资源，数码图像的网上资源http://www.imaging-resource.com/

有效购买者指导――数码相机 http://www.digitalcameras.activebuyersguide.com/

专业摄影实验室和数码图象中心 http://www.artography.com/

数码图片，和数码相关的页面 http://www.digipict.com/

数码照片，有关数码照片的技巧和商业秘密 http://www.pixworks.com/

费拉里彩色，彩色实验室和数码中心 http://www.ferraricolor.com/

美国大师摄影，数码等服务 http://www.masterphotousa.com/

专业数码图像的实验室 http://www.prolabdigital.com/

虚拟图像技术，提供数码图像 http://www.vimagetech.com/

PC摄影论坛，数码照相机的评结和资源等 http://www.pcphotoforum.com/

一、摄影公司Companies：

尼www.nikonusa.com
佳能　www.canon.co.jp
美www.minoltacamera.com.au
www.minoltausa.com
www.minoltaeurope.com
潘泰克www.pentax.com www.pentaxeurope.com
奥林巴www.olympus.com www.olympus-software.com
徕卡：www.leica-camera.com www.lhsa.org
罗www.rolleifoto.com www.mir.com.my
哈www.hasselblad.com
蔡司：www.zeiss.de
理光：www.ricoh-cmeras.com
腾www.tamron.com
威www.vivitarcorp.com www.vivitar.co.uk
柯www.Kodak.com
富士：www.fujifilm.co.jp
柯尼www.konica.com www.konica.co.jp
爱克www.agfa.com www.agfamonotype.com
二、摄影博物馆和画廊Museums and Galleries：
www.mopa.org www.moma.org
www.photographymuseum.com www.mep-fr.org
www.worldphotogallery.com www.nlg.dk
www.agterimagegallery.com www.westongallery.com
http://www.artmuseum.net
三、摄影教育Education：
www.nyipcom www.rit.edu
http://www.art.fullerton.edu http://www.psu.edu
xenios.qldnet.com.au utopia.knowatr,nl/users/philippe
www.colum.edu www.clickup.net
http://www.mfaphoto.sva.edu
四、摄影历史History：
www.kbnet.co.uk www.timessquarephotos.org
lcweb2.loc.gov snapcity.com
tokyophoto.com www.photolib.noaa.gov
www.burnsarchive.com www.bostonspace.ocm
www.magic.be www.picture.com
members.cruzio.com www.2600.com/phones
www.flash.net web.Kyoto-inet.or.jp/people/photos
www.anl.gov web.comlab.ox.ac.uk
www.cvisions.nyu.edu
五、摄影杂志Magazine：
www.zoom-net.com www.asiaphoto.com
http://www.sightophoto.com http://www.sourcemagazine.demon.com.uk
www.photogs.com/bwworld www.eyecaramba.com
www.onlinephotography.com www.tiac.net
六、
http://www.quentinstudio.com/main.htm
时晓凡的个人主页

http://www.teppertakayamafinearts.com/

http://www.3g-photo.com/

http://www.stevenharrisphotography.com/

http://www.sickbaby.org/
暗地病孩之[暗地影像]

http://www.harborimage.com/
陈畅摄影网站

周密摄影，网站设计风格和照片我都很喜欢
http://www.dancingmind.net/

主流一些的：

中国摄艺网络，今天第一次看见
http://www.52ce.com/

http://www.cphoto.net/
中国摄影在线

http://www.chinaphotocenter.com/
中国摄影家协会
[url]
http://www.dphotography.net/default.aspx[/url]
里面有很多不错的图片

色影无忌：http://www.cameraunion.net/

http://www.4oto.com

http://www.nphoto.net/forums/

嘲风的深圳百公里 ... 6 replies

嘲风 — Fri, 20 Mar 2009 17:31:37 +0800

说了好几年了，从07年到现在，深圳已经举办了三次百公里，而我也终于准备去走一走了。没有打算走全程，我知道我走不了，现在的体重过大，膝盖的压力太大了。怕一不小心把自己走残了。不过也决定走个半程。算对自己有个交代。
有人说要想真正了解一个城市，必须要用脚步去丈量。我来了深圳两年，却没有丈量过这个城市，可以说我对于深圳还真的不是太了解。
一直想把自己变成驴友，但是每次的周六日都被工作无情挤占。不过09年有了个好的开始，我开始早起跑步，虽然每天跑的并不多，有时2000米，有时4-5000米，每次跑完洗个热水澡都很舒畅。
人生啊，就得折腾。

攝影器材77條軍規 ... no reply

嘲风 — Sat, 14 Mar 2009 18:16:48 +0800

1 任何相機都可以拍攝任何題材！
2 任何膠片都可以拍攝任何題材！
3 任何鏡頭都可以拍攝任何題材！
4 買能買得起的最好的器材！
5 攝影是用光的藝術，所以，先要用光可以花在器材上的錢！
6 鏡頭後面那個頭固然很重要，但“工欲善其事，必先利其器”更重要！
7 金屬器材永遠比塑膠的好，分量重的器材永遠比輕的好，貴的永遠比便宜的好，除非你被人宰了！
8 買器材前一定要冷靜，買器材時必須要衝動，這是器材物語的理智與情感！
9 假如一件器材買回不久就後悔了，說明它不屬於你，趕緊賣掉止損！
10 假如覺得一件器材該換了，無需考慮，立刻換了，因為到最後你還是會換，結果無非是徒增猶豫彷徨的時間罷了！

11 不用擔心貶值，器材不是股票，買器材是使用，不是投資！
12 不用愛惜器材，器材沒那麼嬌貴，它存在的意義是被使用，而非供奉！
13 膠片也屬於器材，選擇膠片的難度不亞於選擇器材！
14 沒有一步到位的器材，沒有一步到位的系統，除非你是個沒有激情的人！
15 測光表對於玩家來說，實用意義遠遠小於亮騷意義，所以，它很重要！
16 不必介意器材是否防水，我們不是新聞記者，不會在大雨滂沱中抓拍搶拍，防唾沫就夠了，這樣在你口若懸河地炫耀器材時可以更加肆無忌憚！
17 不要買副廠鏡頭。Carl Zeiss除外！
18 UV鏡只有兩個牌子，B+W和TIFFEN；UV鏡只有一種鍍膜，多膜！
19 UV在數碼時代，其實是多餘的！
20 氣吹的牌子叫A+F，鏡頭水的牌子叫Carl Zeiss，鏡頭筆的牌子叫MATIN，灰卡的標準叫kodak！

21 附件是器材中相當重要的環節，攝影中最大的附件是車，最常換的附件是模特！
22 玩反轉和大畫幅有一個重要附件就是放大鏡，Schneider是王道！
23 相機是用來拍良辰美景的，不是用來拍牙膏牙刷的！
24 攝影的路上，你總要有一支超廣，如果可以，它是HOLOGON！
25 攝影的路上，你總要有一支85/1.4，如果可以，它是85/1.2！
26 攝影的路上，你總要有一支300/2.8，因為400/2.8太長，而200/2略短！
27 當你覺得自己該精簡器材的時候，你已經成為了技術派！
28 當你總是覺得自己缺件器材的時候，你就快成為一個器材派！
29 當你覺得自己快要成為一個器材派時，你就已經是器材派了！
30 成為一個器材派高手不比成為一個技術派高手容易，當在同一焦段中有兩支以上重複的鏡頭時，你剛剛踏入門檻！

31 當你連2.8的光圈都覺得小的時候，你已經是一個成熟器材分子了!（這條適用于聖賢書）
32 當你的鏡頭群中全部都是恒定光圈且一半以上為1.4的時候，你已經走向毒梟的行列！
33 當你擁有“F口28/1.4，F口58/1.2，M口16/8，M口50/1，YC口300/2，YC口85/1.2，EF口50/1，EF口200/2”中任何一支時，你已經無可救藥了！
34 當上述鏡頭中你擁有超過兩支時，可以辦理離婚、分手、或儘快把另一半的器材熱情培養起來！
35 當上述鏡頭你都擁有時，兄弟，咱們拜把子！
36 器材派沒什麼不好，可悲的是成了器材派還在器材上說不出個所以然！
37 旁軸的巔峰是ALPA，大幅的終點是Linhof，廣角的至尊是HOLOGON，長焦的霸主是SONNER，日本相機都是上不了大席的狗肉！
38 Leica不是品味的象徵，是行銷的完勝，Leica只有一支鏡頭，就是那支有著兩片螢石的八枚玉！
39 玩鏡頭就要玩結構，所以要玩Carl Zeiss！
40 於是Leica燒錢，Carl Zeiss要命！

41 Leica的快門再輕，也比不上鏡間快門的120旁軸，加上底片的優勢，一台BRONICA 645都能將MP打翻在地，所以，以為Leica是終點的人其實是器材的井底之蛙！
42 ALPA加Carl Zeiss鏡頭是高端攝影玩家的標杆，遺憾的是，達到這個標杆需要浸淫太多器材！
43 好器材和名牌包一樣，是需要行家來鑒賞，上來就問價錢的主兒和看到LV就問真的假的一樣，跟你不在一個檔次，無須搭理丫的。行家一般不問，行家都裝深沉地摸摸看看後顯得面不經意其實心中嫉妒不已地輕率地點點頭而已！
44 一機數鏡的玩法是折騰自己，最好的配置就是一機一鏡：有幾支鏡頭，就配幾台機身！
45 移軸是大畫幅的專利，所有135的移軸鏡頭都是扯淡！
46 近攝鏡和皮腔永遠替代不了微距鏡頭！
47 微距無弱旅，標頭無弱旅！越貴的鏡頭越彪悍！
48 每家都有大三元，大三元就算光圈做到1.4，也永遠都是二流鏡頭，在同一時代中，變焦絕無可能超越定焦！
49 用定焦侮辱變焦，用旁軸奚落單反，用大幅藐視旁軸，玩攝影總會在看不起別人和被人看不起的波段中周而復始，所以，玩器材要低調！
50 玩燈是一個新的開始，SB800只有一支的人不叫玩燈，SB800的基配是兩支，標配是四支，豪配是九支，正面兩支側面兩支背後四支，還有一支備用，此外還得有SU800！

51 倍感打擊的是，玩SB800其實不能算玩燈……燈的牌子叫Broncolor！
52 開始玩燈後需要一個助理，否則那些笨重的傢伙會讓你苦不堪言，或者你可以像我一樣，玩單燈，當停車地點距離拍攝地點300米以內時，一套600W的套裝勉強可以拿得動！
53 數碼後期是無聊的，是對攝影本身的閹割，是對器材裝備的侮辱，但不得不去做。數碼後期器材中最重要的是顯示器，最不重要的是顯卡！
54 高檔數碼是奢侈，低檔數碼是垃圾，中檔數碼是奢侈的垃圾！
55 便宜買死人！
56 假如沒有一支大炮，你就不知道自己的身體好不好！
57 永遠記住，機器總是比你聰明得多的；也要永遠記住，機器有時候是很笨的--那都是因為你笨，沒有正確的去使用它！
58 景深是器材派最重要的技術指標之一，所以要掌握景深計算公式，下載一個軟體放在手機裏，因此，手機最好是Windows Mobile系統的！
59 記住無忌的名言：一分錢，一分貨；二角錢，二分貨；三元錢，三分貨！
60 下一支鏡頭是最好的！

61 下一個附件是最需要的！
62 下一台機身是最不可或缺的！
63 買你買得起的最貴的相機；同理，買你扛得動的最重的腳架！
64 三角架，買到第三個才知道前兩個的錢完全是應該省下的！
65 球臺的路程略略短暫一些，悟性高的話，第二個就可以到位了！
66 穩定系統中最講究的是快裝板，順利的話，一個器材派會有五片以上！
67 穩定系統中假如沒有快門線，上述的一切都將淪為扯淡！
68 器材中，永遠令人頭疼的是包，永遠無法立竿見影的是UV鏡，永遠令人欣喜的是接目鏡放大器！
69 在目鏡上花的每一分錢都能獲得立竿見影的效果，其中性價比最高的就是橡膠目鏡杯環！
70 想要比別人的視角低，就要趴下；想要比別人視角高，就要舉起；想要比別人斜，就要狂側--否則，你就需要直角取景器！

71 對於135相機來說，腰平取景器是非常重要的附件！
72 對於120相機來說，眼平取景器是非常重要的附件！
器材附件的療效在於幫助你榨幹器材的潛能，副作用是榨幹你的口袋！
74 買一台四萬的機身，還在意四千的附件嗎？買一支六萬的鏡頭，還在意六千的附件嗎？買了三千的附件，能不配三萬的器材嗎？
75 對器材的態度將構建攝影的人格！
76 燒海無邊，回頭無岸！
77 成為一個器材派之後，唯一要做的事情，就是盡可能別丟器材的人！

我凌乱的办公桌 ... no reply

嘲风 — Wed, 25 Feb 2009 18:16:44 +0800

我凌乱的办公桌

办公室乱到不成样子。现在也懒得收拾。
是不是真得搞下个人卫生了啊！

光影魔术手 ... 7 replies

嘲风 — Fri, 20 Feb 2009 23:11:56 +0800

之前电脑慢没有办法尝试一些对硬件要求比较大的图像软件根本不敢尝试，所以光影魔术手出来这么久了今天才开始尝试。
光影魔术手的感觉是很清爽，下载才一二十MB的安装程序让我心里很舒服，不是那么怕怕。安装程序后也不需要注册等繁琐恶心的步骤。打开软件后，发现它对于照片的修正非常傻瓜。基本只要会一点点计算机的人都会用。而且他的效果很显著。比如我这样的图像处理软件白痴也可以使用。

最贴心的设计是可以直接通过程序上传到自己的网络相册。这一点让我非常喜欢。
光影魔术手没有试过的朋友你也去试一下吧！

『摄影经验』6个衡量你是否能成为专业摄影师的关键因素 ... no reply

嘲风 — Fri, 27 Jun 2008 10:55:08 +0800

从业余爱好者转变为
专业摄影
并不是一件容易的事情，“拍自己想拍的照片”和“拍客户想拍的照片”往往是截然不同的两件事情——尤其在面对一堆工作室运营、器材消耗、差旅支出的账单时，你需要开始思考摄影以外的更多事情。

不过，对于很多有才华的摄影爱好者来说，开自己的摄影Studio实在是诱惑太大的事情，那么，在你做出最终决定前，下面7个考量因素也许可以帮助你衡量时机是否成熟，如果你的每一个回答都是Yes，那么，我们相信你已经有足够的潜力创建一个成功的摄影工作室。

你是否有稳定的照片销售记录？

第一张卖出的照片也许能够让绝大多数摄影爱好者万分欣喜，但是对于专业摄影师来说，你必须能够经常、稳定地卖出照片，这不仅仅意味着你已经掌握了成熟的拍摄方式，还要求你具备基础的沟通、合作以及商业谈判能力

2.你是否经常获得拍摄委托？
很多专业摄影师都是从给朋友拍摄婚礼、周年纪念日开始的，如果你拍得足够好，很快就能在身边的圈子里建立口碑，吸引来更多拍摄委托——这也将是你最初的核心客户群

3.你是否拥有足够的专业知识？
成功的专业摄影当然不仅是构图、按快门那么简单，你需要拥有扎实的知识功底：景深表、估光技巧、冲洗数据、印刷输出、数字暗房、各种摄影器材的使用方式、技巧...——各种缩写和字母就足够让你学习一阵，别忘了，你很可能还要阅读一本图文并茂的摄影史

4.你是否能从别人的照片里获得灵感？
我们都喜欢看出色的照片，但是如果你想成为一名专业摄影师，就必须比别人看到更多——从其他摄影师作品中获得新的拍摄技巧，找到新的拍摄灵感。如果你能够在借鉴其他专业摄影师的作品后完成相同的拍摄任务，你便有可能和他们一样以摄影为生。

5.你是否拥有自己的特色？
创造力是专业摄影师的另一项必备素质，借鉴和模仿只能让你获得初手的赞美，却无法获得其他专业摄影师们的认可，自然也很难说服你的客户放弃别人而独独选择你。

6.你是否真的真的真的真的很想成为一名专业摄影师？
摄影绝不是一个容易的行业，尤其对于初入者来说更为艰辛，你不得不面对极低的报酬以及各种恶劣的拍摄条件，最后再问你自己一次：

你真的非常想成为一名专业摄影师吗？no
matter poverty or death

，so，just do it

美化人物姿态的要领 ... no reply

嘲风 — Thu, 19 Jun 2008 15:06:26 +0800

在拍人物全身照或大半身照时，被摄者的姿势及造型十分重要。要使被摄者的姿势优美，须掌握下面几个要诀：
　　1．头部和身体忌成一条直线。两者如成直线，难免有呆板之感。因此，当身体正面朝向镜头时，头部应该稍微向左或向右转一些，照片就会显得优雅而生动；同样道理，当被摄者眼睛正视镜头时，让身体转成一定的角度，会使画面显得有生气和动势，并能增加立体感。

　　2．双臂和双腿忌平行。无论被摄者是持坐姿或站姿，千万不要让其双臂或双腿呈平行状，因为这样会让人有僵硬、机械之感。妥当的做法可以是一直一曲或两者构成一定的角度。这样，就能既造成动感，姿势又富于变化。

　　3．尽量让体形曲线分明。对于女性被摄者来说，表现其富于魅力的曲线是很有必要的。通常的做法是让人物的一条腿实际上支撑全身的重量，另一条腿稍微抬高些并靠着那一条站立的腿，臂部要转过去，以显示其最窄的一面，胸部则通过腰部的弯曲，尽量地显示其高耸和丰腴感。同时，人物的一只手可摆在臀部，以便给画面提供必要的宽度。

　　4．坐姿忌陷。表现被摄者坐姿时，不要让其像平常一样将整个身体坐进椅子。如果这样，她的大腿会呈休息的状态，以至于腿上端多脂肪的部分隆起，使大腿显得很粗笨。正确做法是让其将身体向前移，靠近椅边坐着，并保持挺胸收腹，这样可避免肩垂肚凸现象。

　　5．镜头宜远不宜近。一般来说，拍人物照，距离远些总比近些好。因为当镜头(尤其是短焦距的镜头)离被摄者很近时，会出现畸形现象。因此，摄影时应选择合适焦距的镜头，并让镜头与人物保持一定的距离。根据实践我们得知若使用标准镜头拍人物头像，最佳距离在6—8英尺之间；拍胸像则在8—9英尺之间；拍全身像，以(13—22英尺之间为宜。此外，让被摄者的手和脚紧靠着．身体，有助于避免畸形现象的发生，而一旦当它们离身体前后18 英寸以上，就会显得比例失调，手、脚会变得过大或过小。

　　6．表现好手姿。被摄者的手在画面中比例不大，但若摆放不当，将会破坏画面的整体美。拍摄时要注意手部的完整，不要使之产生变形、折断、残缺的感觉。如手叉腰或放进口袋里时，要露出部分手指，以免给人以截断的印象。

优秀照片的秘密（作者： A·法宁格） ... no reply

嘲风 — Thu, 05 Jun 2008 16:36:11 +0800

优秀照片的秘密（作者: A·法宁格）

从对摄影事业的态度来看，我主张把摄影家分成基本不同的两类：技术摄影家和主题摄影家。前一部分人迷恋于相机、镜头和复杂而又神秘的技术问题。他们的行动使人觉得相机好象是一种可爱的玩物，而不是拍照的工具。他们拥有最好的器材，并不断追求新型号。他们象一本摄影百科全书一样，引为自豪的是能把35毫米的底片放大成16
X20英寸的无颗粒照片，对各种相机系列的优点无所不知。但是他们却难得拍出有价值的照片来，因为他们把全部兴趣集中在拍照的手段（器材）上，而不在目的（照片）上。

那些兴趣在于作品，更准确地说，兴趣在于拍摄主题的摄影家，态度恰恰相反。他不象技术摄影家那样迷恋于零件和技巧，而是热衷于人物、街景、城市、风光、自然题材、现代建筑、古罗马的遗迹、体育比赛以及日常生活的各种场景。他对自己的拍摄目标极感兴趣，因而想把它以照片的形式记录下来。从而占有它，把这些照片带回家去，一遍又一遍地欣赏，并且和别人分享这种乐趣和爱好。对他来说，摄影仅仅是一种达到目的的手段，相机对他的吸引力最多不过象打字机对小说家的吸引力那么大。他觉得摄影技术几乎可以说是存在于他和他所喜爱的事物之间的一种“讨厌的必须品”。因为他知道一个主题能用无数种不同的方法去拍摄，有些影象能够处理得比其它的好，他才和那些摄影技术问题打交道，因而，尽管有些人对摄影工具抱着那样殷勤的态度，仍然是他，而不是那些玩弄技术的人。创作了足以征服人心的，使人永志不忘的摄影作品。

主题的作用是极为重要的。为了加深对它的印象，让我拿摄影和写作做一个比较。摄影和写作都是交流思想的方式——有时候摄影被称做“图象的语言”，不是没有缘由的。一个精神正常的作家，只有他确信有了值得说的和读者感兴趣的东西，他才伸手去拿打字机。然而从事摄影的人却往往在“无话可说”的情况下拿起了相机。他们所拍的题材是没有意义的老一套，不可能引起任何人的兴趣，包括他们自己在内。全世界每天都有无数这样的照片问世，原因很简单，有人拍了这样的照片。并被某些容易上当的图片编辑拿去在杂志上发表罢了。·这些照片的主题缺乏意味，只不过是‘视觉上的废话”。

现在该明白了，决定一张照片有趣还是无聊，决定一个摄影家成功还是失败的主要因素就是主题。

但这仍然不是全部，不论主题本身怎样有趣，如果不是满怀感情、充分理解之后用形象的方法把它有效地再现在画面上。结果也会令人失望。这说明还需要其他的东西，这就是摄影家本人对主题的热情和兴趣。

对被摄事物发生热情和兴趣是促使我们拍照的原因。也是产生创造性的活力。它能使作品面向生活，能使摄影家感情激动，打开情感创作的闸门；没有这种热情的刺激，摄影就会陷入无动于衷的程式。摄影家只有处于高度自觉、兴趣不断增长的状态下，才有希望创作出传情的好作品来。

业余摄影爱好者比起专业摄影家来，有着不可估计的优越性。你就是你自己的老板。你喜欢怎么拍就怎么拍。你可以只选择你喜欢的东西，也就是只拍那些吸引了你、感动了你、引起你兴趣的东西。恪守下面的格言必定能大大提高照片的质量：除非主题引起了我的兴趣，否则就放过它，省下胶片去拍更好的东西。

显然不能编制一份“有趣”主题一览表，因为一个人觉得颇有趣味的东西，另一个人可不感兴趣。兴趣是一种自我感觉。不管你的兴趣多么特殊（例如，我对破碎的海贝感兴趣，在这些海贝当中我看到了一种迷人的雕塑般的形式美，我拍了很多这种不寻常的东西），只要它是真诚的（并不是由于赶时髦而拍这样的主题），你的路子就是正确的，不管别人的反映如何，也应该继续干下去。

记住这一点后，我想请你进一步区分一下下面两类主要的主题和被摄体：
动态的和静态的
非人工静态的和人工静态的
然后再讨论一下其它几种被摄体和主题；
上像的和不上像的
摄影的和文学的
摸得着的和摸不着的
没意思的和摄影上老一套的
不适宜拍照的

你可能听说过“上像”这个词，也懂得上像的被摄体拍出的照片比不上像的要好。可是，你是否也懂得，是什么因素使被摄物成为上像或不上像的呢？在我列举最重要的上像与不上像被摄体的特性和技巧之前，我必须向你提供一些背景知识—一为什么某些因素能使一个被摄物在照片上具有感染力，给人印象深刻，而另外一些因素却能使照片令人失望。

简单地说，这是因为人的眼睛和相机在“观察”方式上存在着根本的不同，例如，一枝红玫瑰可能以它鲜艳的色彩美使人感到愉快，可是用黑白胶片拍出来以后，现实中使我们陶醉的色彩在照片上成了灰色影调，红花和绿叶的颜色呈现相同的灰色，它们之间的反差没有了。照片中没有留下被摄物原有的精彩之处，因而成了废品。原因在那里呢？因为眼睛和相机对同一刺激的反应不同，这里当然指的是颜色。

再举一个例子，假如你到过长满红杉的地方，你被这种树的壮观所折服，为了留作永久纪念，你拍了许多胶片。但当你放映这些幻灯片时，你会大吃一惊：现实中雄伟的大树看起来和普通树役有什么两样。这是怎么回事呢？原来你的被摄物缺乏比例感，照片里没有什么东西可以表明这些树木的巨大尺寸—一这本来是它们的最大特点，你是为此而拍照的。没有比例，它们似乎很矮小，在幻灯投影中它变小了，和其它树木—样了。这又是你和你的相机的观察方式不同的缘故。

第三个例子：你参观了一场汽车大赛，兴奋极了，情不自禁地拍了许多汽车以每小时160英里的速度从你面前呼啸而过的照片。为了使照片清晰，你用了最高的快门速度。从某一点上说，你是成功了，照片确实很清晰，没有错。但准确的说，它们是停止不动的。赛车的气氛、令人激动的场面以及“速度”这个要素没有了，现在只剩下一堆无用的东西，那就是没有鉴别价值、没有感情的照片。这仍然是因为你和你的相机对相同的比赛所作的反应不同。

这里我想说明的是，你不能简单地把相机对准一个有趣的目标，按下快门，就期望得到一张获奖照片。实际上，一张美丽少女的照片不一定就是一张美的照片。为什么呢？因为“美”不一定就是“上像”的特性，象前面提到的红玫瑰那样。拍出照片也不一定就有趣味，象赛车的例子就是证明。以上所举各个例子，不论是美的还是有趣的东西，或者是既美又有趣的东西，拍出照片来却都令人失望。那么，做为一个一心想拍出好的照片的摄影者应该从这里学到什么呢？

从这可以学到的是，必须懂得有趣的主题和被摄物虽然是拍出好照片的前提，但它本身并不能保证这张照片必然是成功的。形象生动是一张好照片必不可少的。但是一个被摄体要在照片上表现的生动，，除了它本身能引起观众的兴趣之外，还必须具有上像的特性。

那么，使被摄体上像与不上像的那些神秘的特性是什么呢？很难用一个公式来回答。因为一定程度上它是随着提问人的艺术观点而有所不同的。用传统摄影家的眼光来看，金发碧眼、S型曲线和惟形物体常被认为是上像的特征，但较少保守和兴趣广泛的摄影家考虑的范围就更广一些了。

下面是我认为上像与不上像的最重要的特征和技巧。

简洁

我认为简洁应该列为被摄体具有“上像”特征的第一条。认为画面上挤满了物体似乎比只拍少数几个要好，这是初学者常犯的一种错误。他们没有弄明白。相机能够记录镜头视野之内的“每样东西”，而人眼却是有选择的。通常眼睛只对景物的某特殊方面发生兴趣。大脑控制中心过分地重视某一部分景物，但照片上的细小部分却迫使眼睛给它们和其它重要部分以同样的注意、这样一来，它们便冲淡了甚至破坏了照片的整个艺术效果。

因此，当我们面对一个被摄物时，首先必须问问自己：怎样才能把它从周围环境之中，从分散注意力的杂物之中分离出来？怎样才能提炼出那些吸引我拍照的视觉美来？我们应该首先“清理现场’’（这个词是比喻，也是事实），然后才着手拍照，并且根据条件尽可能好地完成它。如果条件许可，我就把无用的东西从取景器里排除掉（例如拍人像或拍合家欢时，就可以这样“清理”背景）。如果被摄体是一个小小的雕塑品、可以把它拿到更合适的背景前面去拍。如果不允许这样做（也许雕塑太重或者不允许碰它），就用自己的背景，一块纸板或无缝背景纸。假如实在不能清除干净，那就集中去拍被摄物本身，把相机靠近它，让被摄物占满取最器，把四周不必要的东西挤出画面。如果不可能靠近（如拍动物园的老虎）或者不希望靠近（田为它可能导致透视上的失真），那就用焦距比标准镜头更长的镜头。从远处拍摄，创造一种拉近的效果。

清楚和有条理性

一个被摄体本身可以表现出有条不紊，也可以是杂乱无章。不用说，前一种情况可以拍出好照片来，而后一种情况却不然。我的经验很能说明这个问题；在我撰写《树》那本书的时候，许多好心肠的人对我说，他们见过非常美的树，并且把地址告诉我，以使我能把它们写进书里。可是，毫无例外，每当我听从了他们的指点前去察看的时候，发现树是有的。而且确实是一棵非常美的树，但从摄影家的眼光来看，这棵树已经没有希望上像了。因为它受到周围环境的影响，它的独特的轮廓被淹没；周围的影调与颜色和这棵树混为一体，背景已经无法利用；还有高压线、电话线和建筑物也来干扰，使我无法清楚地表现它；本身很美的一棵树对我没有用了。然而这样的情况往往被许多摄影家所忽略，在许多介绍树木的书籍里，插图中的树都是受了周围物体的影响，特点已经无法辨认，失去了作为特定树种插图的意义。

相似形式的图案美、节奏感与重复出现

被摄体具有图案美、节奏感与重复出现这些特征，往往能够加强照片的结构使之成为佳作，所以大多数摄影家都喜欢拍图案照片，这是很自然的。然而，仅仅是为了图案效果去拍图案照片，没有正当的理由和目的，去追求所谓“抽象”的形式，那就容易落入俗套而令人厌烦。当然，如果图案构成主体不可分割的组成部分，特别是当它能突出主体的结构和功能的时候，它就具有上像的特征，在这种情况下拍摄图案最能保证照片的艺术效果。

反差的高低

绝大多数照片的反差是中常的，既不太高，也不太低。这样的照片只从反差方面看，不会讨人喜欢。然而，那些反差异常或反差不明显的物体往往却有着奇特的效果，原因是以少见为新奇。因而，经过敏感的摄影家巧妙的处理之后，反常的高反差或低反差却是上像的特征。事实上，有独创性的摄影家都知道，逆光照明的被摄体（反常的高反差）和雨雪天或雾中的景色（反常的低反差），能够拍出效果最好的照片来。

大的突出的形状

一般说来，大的、突出的、明确的形状，比起大量小的、复杂的、边缘不清楚的、平淡的东西来，容易创作出好照片。

表面质感

用侧光或逆光适当地照明物体表面的质地，对照片是有好处的，因为它能提供信息，告诉观众，物体的表面是什么构成的：是石头、混凝土、树皮、金属、玻璃、织物、纸张还是毛皮等等。这就使得富有特点的表面结构成为上像的好题材。

色彩

色彩提出一个特别的问题。因为从摄影的角度来说，它可能是一笔资产，也可能是一笔债务。到现在为止，本文所列举的那些上像的特征都是既对黑白摄影家有利也对彩色摄影家有利的。至于说到色彩，情况就不同了，因为就彩色摄影来说，颜色能使一个物体上像，而就黑白摄影来说却是不上像的；反过来说也是一样。例如，唤起我们对某种花、鸟、热带鱼或蝴蝶爱慕之情的那些生动的颜色是使这些被摄体特别上像的特征，这是从彩色摄影家的观点来看的。但对黑白摄影家来说，同一特征却是绝对不上像的，困为拍成黑白照片以后，由于失去了原有的颜色，这些被摄体会变得无法辨认；五颜六色变成了灰色影调，互相难以分开，结果使照片效果极差，并且给人以单调虚假的印象。因而，从事黑白摄影的摄影家要避免拍摄那些以颜色突出为特征的被摄体，象色彩艳丽的花朵、食品、水果、鸟类、蝴蝶、热带鱼、秋叶、绿叶、油画和日落时火红的天空。无论拍摄技巧如何熟练，在黑白摄影中这样的被摄体产生的照片总是令人失望的。

但是，甚至对彩色摄影家来说，有些颜色也谈不上具有上像的特征。肉眼看来漂亮的颜色或颜色的组合在幻灯片或照片上可能是庸俗而令人厌烦的，例如蓝色天空下的绿色田野，那只是明信片一类的平庸之作。另一方面。一些最富魅力的彩色照片，它们的特殊效果来自一种最浅淡的颜色，几乎象没有颜色一样，有些阴雨天或雾天所拍的照片就属于这种例子。

如果有人概括一下的话，他可以说，对于摄影家来说，只有不寻常的色彩才具有上像的特征，它必须是非常鲜艳、非常强烈，或者非常浅淡、非常素雅。几种和协的颜色在一起可能很上像，而互不相关的几种强烈的颜色混杂在一起却是华而不实、不上像的。此外，少数几个大片色块要比大量小块颜色效果更好。

自发性

自发性动作是有生命的被摄体非常上像的一种特征。关于这一点很难下一个定义，你非这样说吧：它和摆布、设计和弄虚作假正好相反，而这些都是最不上像的特征。自发性动作使照片显得可靠、朴素、真实。永远不要强迫被摄者，＿让他们自发地活动。摄影家必须在动作消失之前把它抓拍下来。

逆光

逆光虽然不是被摄体本身的特征，但它是上像的用光方法之一，也是最有效的摄影创作方法之一。在熟练的摄影专家手里，逆光能把一普通的物体变成迷人的形象，把平庸的东西加以美化。使用逆光在黑白摄影中比较容易，但在胶片宽容度较低的彩色摄影中，就比较困难，容易造成失败。逆光摄影成功的关键是按被摄体最亮的部分进行曝光（防止细部影纹和颜色被“清除’掉），而让较暗的部分变黑。如果万一要对阴影部分使用辅助光照明的话，也只能少用一点，用多了就会前功尽弃；因为逆光和来自辅助照明的正面光会互相抵销，结果拍成平淡无味的照片。

近摄

作为一个规律，近摄比起远摄和那些包罗一切的全景照片来更能使被摄体上像。全景照片包括的东西总是太多。近摄自然而然地排除了那些分散注意力的、多余的、可要可不要的细节，把观众的注意力集中到主体上去，同时还能比从远处拍照获得更大、更突出的影象。

远摄

使用远摄镜头能产生极好的透视效果，所以是使被摄主体上像的一种好方法。和胶片尺寸相比较而言，镜头的距离越长，透视的畸变程度就越低，主体就显的越大，远近景物之间的比例也越自然。

不幸得很，大多数摄影家认为用远摄镜头的唯一目的是能把远处的景物拍得很大，从而增强了艺术效果。事实上这只是它的一部分作用而已。我认为，不论什么时候，只要用得上，远摄镜头总比标准镜头更为优越，甚至在拍摄距离较近的街景（现在人们经常用中等的广角镜头拍摄街影）、人像和特写之类一贯使用标准镜头的场合也是如此。

数码摄影入门九法 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:34:42 +0800

数码摄影入门之一首先要清晰

　　什么叫清晰，这是不是一个绝对的概念，因为我们的要求不同，我们对清晰的概念也是不一样的。这里联系到3个概念，即对焦精度、景深选择和抖动。对焦精度，现在的dc都AF了没有什么可以说的，除非你要拍的主体不在相机的对焦范围里，或者现场极度昏暗，AF还是可以保证质量的。除非你有更高的要求，比如获得超焦距等等，这些是高级手法，应该在无忌里讨论这里不讨论。

　　其次是景深，说道景深就需要给出另一个概念：弥散圆，名词解释：弥散圆：弥散圆. 在焦点前后，光线不能汇聚到一个点，点的影象变成模糊的扩大的圆形光斑，这个光斑的外圈就叫做弥散圆。显然，当弥散圆的尺寸小到一定程度后，人眼将认为其是一个不可分辩的一个点。这时我们就会觉得在焦段前后一段距离里所有的像都是清晰的。这就产生了“景深”。景深内的弥散圆称为就称为容许弥散圆可见容许弥散圆的概念是一个随着人观察分辩力的变化变化的，景深是随弥散圆的可接受程度在变化。

　　最后是抖动

　　说一个故事，15年前我初学摄影是在高中的兴趣小组，老师是印尼的归国华侨。那时的我根本没有兴趣听老师的理论课，仗着家境不错，就只会浪费胶片。在一段时间的拍摄后，一次少年宫有一个摄影比赛（俺那年代惨啊，这种机会是已经极难得的展示自己的机会了）黑白片子被要求必须放大到8寸以上才可以参加。在老师的放大机下，我的片子里的对焦不实和抖动被无情的放大到足够让我沮丧的的程度！这时我才知道老师说的那些“清规戒律”有多重要。

　　对持稳相机，我现在可以达到：相对135的50mm焦距下，手持1/4秒可能在LCD上看不出抖，手持1/30放大到7寸内看不出抖，手持1/125秒放大到A3幅面肯定看不出抖。正确的手持方法是用相机的眼平取景器，这时你的左手托住相机左肘紧紧的支撑在肋部形成一个3角，右手持握把手，右肘也紧紧的支撑在肋部也是一个3角，同时2支手臂也自然形成一个3角，有点物理知识的人应该已经感受到它的稳定了。手部动作：拇指控制多功能拨盘，食指轻轻放在快门上，调匀呼吸，就像扣动枪机，做到“有意瞄准，无意击发”此时高手已经达到人机合一的境界，十步一击，一击必杀！当然，绝对不抖是不可能，即使使用捷信，至少它还有按固有频率出现的震动吧，就看大家的要求了。

　　呵呵，题外说一个知识：最好防抖是使用专门设置的闪光灯，现在的闪光灯从点燃到熄灭可以轻易的达到1/1000秒以上，不少高级闪灯（这里说的高级是相对初级玩家的）达到1/1w秒也不希罕的，并且没有机械震动。

　　数码摄影入门之二准确的曝光

　　曝光的定义，如果予以科学的解释的话，即是：光线的强度乘以光线所作用的时间。定义中的“光线的强度”，是指CCD受光线照射的强度，即照度（以I代表照度，单位是勒克司）。定义中的“光线所作用的时间”，是指感光片受爱线照射的时间，即曝光时间（以T代表曝光时间，单位是秒）。曝光量的计算单位是勒克司·秒。以E代表曝光量，即可得到曝光公式如下：

E（曝光量）＝I（照度）×T（曝光时间）

　　依据这一公式，若要取得一定量的曝光量，则光强度愈大，曝光时间愈短；光强度愈小，曝光时间愈长。如果光的强度增加一倍，曝光时间就需减少一半，假如光强度为2，时间为4，曝光量则为8；如果光强度为4，时间为2，曝光量仍为8。

　　富士S2Pro拍摄，先对水面点测，手动调整到该值，曝光出现剪影效果。

　　等量曝光

　　我们清楚地了解这样一个浅显的道理：开戾得较大的光圈要比收缩得较小的光圈能让较多的光线通过镜头到达胶片上，较低的快门速度要比较高的快门速度能让光线较长时间地停留在CCD上。由此可以演变为以下情况：光圈f/1.8与快门速度1/500秒相组合，和光圈f/4与快门速度1/100秒相组合，所获得的曝光效果是一样的。它们又和中级光圈f/8与中等快门速度1/25 秒相组合所获得的曝光效果是一致的。这就叫作"等量曝光"。

　　上述三组曝光组合的曝光量是相等的，体现在底片上的密度是一致的，体现在CCD上的影调层次、色调还原与再现是一致的。但是它们三者之间在画面效果上存在着两个重要差别：一是由于光圈的大小形成了不同的景深；二是由于快门速度的高低构成动体影像的不同清晰程度。

　　由等量曝光的原理使我们知道，不同曝光组合的等量曝光，可以获得底片密度相同的曝光效果。然而，以摄影实践中，应该根据拍摄题材和被摄对象的不同，在可以产生相同密度的若干曝光组合中，选择最佳的一组曝光组合，来表现所拍摄的主题。这就是选择曝光的概念。

　　贴一张我最近在曝光控制方面比较满意的pp，是室内离机闪光，先对闪光灯测光，然后对反光板测光，不断调整反光板的距离和角度使之光比相差2.5挡，后面背景在左上角有意受光产生虚影来平衡画面。

　　那些富有经验的摄影家，从摄影的理论和实践经验中得知，尽管每组快门和光圈均能产生等量的曝光效果，而画面中景深与动体清晰程度却大不相同。具体采用哪一种曝光组合，必须认真考虑。是用较小的光圈去获取较深远的景物清晰范围呢？还是用较高的快门速度去抓取被摄动体的“凝固影像”？或是用极短的景深使背景虚化以突出主体？还是以较慢的快门速度增强动体的动感？等等。这一切都需要摄影者动脑筋来思考并加以选择，这决不是那些“自动相机”所能解决的，因为“自动相机”并无思维能力。具有形象思维能力的人可以得心应手地操作照相机去完成自己的构思，这或许就是相机的“自动曝光”与人的主动“选择曝光”的区别所在。

　　什么叫准确曝光。正确曝光的含义简单说来应该是：在适当的时间里让CCD受到适当的光量照射。

　　说到曝光不得不先说说亚当斯的区域曝光。风光摄影的泰斗美国摄影家A.Adams对摄影界最大的贡献之一就是创立了“区域曝光”的概念。不说了其实我自己也没有全部理解，里面的理论足可以写一本书了。但现在我的拍摄都是建立在这部分的理解上。

　　我们为什么可以看到多变的图像几何结构？学过素描的朋友会很容易理解。图片无非是从白亮的高光到色彩饱和的中灰到全黑的暗部的连续的过渡。这种过渡让我们分辨出物体的轮廓。

　　最传统的拍摄手法在数码领域依然是最有效的。当你看到一个画面你想要表现什么，也就说你想要它体现最饱和的色彩和最丰富的细节，就对准它点测，然后按照测试值曝光，出来的片子一般就不会让你失望。当然你如果希望其他部分也体现出一点细节，你就必须使用反光板、吸光板来使这些地方控制到你的CCD的宽容度的范围内，或者变换角度和等待光线的变化来减小光比。反之也一样，你如果希望某部位出现纯黑、纯白，那就让这些部位偏离曝光值5档以上，就可以看到你想看到的东西。明白点测和手动对一台相机的重要了吧。

　　当然实际的拍摄没有这么简单。特别使纪实类的片子。你要限制光线，同时光线也在限制你，除非室内静物，完美的光线可遇不可求。但机会往往稍纵即逝。这时，经验变得很关键。包围曝光是一个有效的手段。但不是万能，至少包围测光不能改变客观光比。布勒松语“你得不停的改变角度”角度的改变不单单是为了改变构图，往往更多的是在改善光线对你的限制。可以利用的东西太多，比如水面的反光，白色的墙壁等等包括许多不可预见的情况，比如薄云可以使阳光变柔。

　　写到这里我有点写不下去了，还是水平太浅，有许多东西只可意会不可言传，自己的思考还是重要。还是这句老话，关键是相机后你的脑子。

数码摄影入门之三黄金分割

　　构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语。在《辞海》中，谈到“构图”为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。

　　首先说构图里的分布和造型，这里不得不提到2个名词：九宫格和趣味中心

　　说九宫格前先说著名的黄金分割

　　自从古希腊人发现黄金分割以来这种比例就被认为是美学的最佳比例而得到广泛的应用。

　　其实黄金分割是造型艺术中的一种分割法则。亦称黄金分割率，简称黄金率。它的分割方法为,将某直线段分为两部分,使一部分的平方等于另一部分与全体之积，或使一部分对全体之比等于另一部分对这一部分之比。即：在直线段AB上以点C分割,使(AC)2＝CB×AB,或使AC∶AB＝CB∶AC。

　　实践证明,它的比值约为1.618∶1或1∶0.618，被称为黄金比。黄金比最早是由古代希腊人发现的，直到19世纪被欧洲人认为是最美、最谐调的比例。黄金比广泛用于造型艺术中，具有美学价值，尤其在工艺美术和工业设计的长和宽的比例(如书籍开本)设计中容易引起美感，故称为黄金分割。20世纪中，法国建筑师Le科布西埃发现黄金比具有数列的性质。他将其与人体尺寸相结合，提出黄金基准尺方案，并视之为现代建筑美的尺度。法国还产生了冠名为黄金分割画派的立体主义画家集团，专注于形体的比例。

　　在实际运用中，黄金比多只采用近似值。最简单的方法是按照数列2、3、5、8、13、21……得出2:3、3∶
5、5∶8、8∶13、13∶21等比值作为近似值。这种分割方法亦用于优选法。

　　再说说九宫格，九宫格的源头可是我们中国人发明的一种构图模式，但巧的是它与黄金分割有着惊人的理论联系！大家们把画面的上下左右用黄金分割来做出4条线，我们惊奇的发现这就是我国古人所说的九宫格！

　　人们发现在九宫格的4条线交汇的4个点是人们的视觉最敏感的地方，在国外的摄影理论里把这4个点称为“趣味中心”。顾名思义，被反复证明的是当被摄主体处于或发布在这4个点附近最容易得到“眼球”

数码摄影入门之四对称平衡呼应

说说对称、平衡和呼应

　　在中国传统绘画中把构图结构称为“章法”或“布局”，“展纸作画章法第一”。位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。黑格尔在《美学》中说过，“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好，然后再考虑把它摆在什么地方，而是在构思时就要联系到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位”。

1、水平位置，这样拍摄出来的影像不会歪斜，你可以以建筑物、电线杆等与地面平行或垂直的物体为参照物，尽量让画面在观景器内保持平衡。

2、色彩平衡性良好，画面要有较强的层次感，确保主体能够从全部背景中突显出来。如补色平衡（下图），所谓红花绿叶配就是这个道理。同色平衡，穿黑色衣服的人一般不安排在深色背景下拍摄。

3、前景有均衡画面的作用。有时我们在画面上发现空缺不均衡的时候，比如天空无云显得单调时，用下垂的枝叶置于上方，弥补画面不足之处；有时画面下方压不住，上重下轻的时候，可用山石、栏杆做前景，色调深使画面压住阵脚，达到稳定、均衡的作用。前景运用虚焦点的表现手法，给人们一种朦胧美的感觉。

4、空白。它是沟通画面上各对象之间的联系，组织它们之间相互关系的纽带。空白在画面上的作用，如同标点符号在文章中的作用一样，能帮助作者表达感情色彩。

　　画面上留有一定的空白是突出主体的需要。要使具有视觉的冲击力，就要在它的周围留有一定的空白。这可以说是造型艺术的一种规律。人们对物体的欣赏是需要空间的。精美的艺术品，如果将它置于一堆杂乱的物体中很难欣赏到它的美，只有在它周围留有一定的空间，它才会放出它的艺术光芒。一幅画面如被实体塞满，就会给人压抑的感觉，画面上空白留得恰当，才会使人的视觉有回旋的余地。“画留三分空，生气随之发。”就是这个道理。

　　现实生活中，一切稳定的物体都有均衡的形式：桌子四条腿是稳固的；盖房子如下面小上面大，就给人一种不稳固的感觉；挑担子一头重一头轻，使人走路不便；劳动中人们的姿态显然是求得身体均衡以合乎这一劳动特点的姿态……。许许多多的生活现象培养了人们要求均衡的心理，并且在人们的审美过程中起作用。画面在一般情况下应该是均衡，安定的，使人感到稳定，和谐，完整。利用人们要求均衡的心理因素，可以从几个方面来强调画面的表现力：

a、对称式构图，对称一直是我们民族强调的东西，历来的皇宫。都城都是对称布局的。它强调一种庄重、肃穆的气氛，“四平八稳”的对称均衡中显示出一种古朴的庄重的关系。

b、虚实呼应式布局，就像江南园林。在一些强调幽雅、恬静、柔媚的抒情性风光画面中，要求的是变化中的均衡画面上可以有疏有密，有虚有实，但整体要求是均衡的。一幅田园风光里比如左下角有一头耕牛，右上角的天空里最好应该有一片云。

　　对比和反差也是常用的平衡手法，记得有一幅名作是一只白胖的白人的手握着一个非洲饥民小孩的手（在网上我找不到这副pp，只能让大家想象了）震撼着每个人的心灵。大小对比的效果，为了充分表现pp的内容，使观众对主体形象有鲜明印象，往往需要采用大与小，长与短等对比手法来加以表现。

　　数码摄影入门之五线条与三角

　　人们在构图中还经常采用一种“定向线簇”，它常常能收到“光芒四射”的效果。在大多数情形下，它把观众的视线引向主体，其完整的效果形成了一种从主体沿着直线向外放射的气氛。这是一种达到形象化效果的简易方法。摄影构图的另一基本技巧，是运用能将观众带入画面的“内引线条”。虽然内引线条有许多复杂的形式，但最易于识别和最易于获得成功的是C形、S形及富于透视感的斜线。

　　“C形线条也是一种有效的内引线条，但拍摄时须注意透视线条不得从任何一个底角弓I入。一般而论，内引线条不得从任何一角开始，而要从底边中心略偏一处的某测开始。”

　　至于S形线条，也有人称之为“形体线条”。这是霍加思最先作为一种优美的构图线条提出的。因为它来自妇女的优美身段：一种稍稍拉长的“S”形。作为——种常用的构图线条，它确实能给人以深刻的印象。

　　S形线条的魅力

　　在利用线条进行构图时，有一点须引起注意，即画面中的直线，特别是和边框平行的直线，不能毫不间断地从画面的一边伸向另一边。否则，很容易出现下列的情形：原来的意图是只想拍一张照片，而结果却好像是两张互不相关的底片印到了一张相纸上。这个问题在拍摄自然景物时，例如在地平线居中，天空和地面各占一半画面的情况下最容易发生。如仍纠正这种毛病?在美国摄影家B·克莱门茨和D. 罗森、菲尔德合著的《摄影构图学》一书中指出，只要使“这种直线的延续性中断，而且使某一部分画面的图形伸进另一部分画面，照片的整体感就会牢固地建立起来”。

　　对角线的构图是一种导向性很强的画面，使用这种构图往往是作者希望把读者的目光明显的导向某事物，或表现线条本身的魅力，因为大家都知道矩形画面里最长的线条就是对角线。还有一个常用情况就是当2个趣味中心不明显但需要产生某种联系的时候，作者也需要一种形式来关联他们。看图，是体现桥梁宏伟的名片，闪光的桥梁主体横跨2个角似乎要跨出画面的外面。

　　前文里提到的留空白，常见的留空白往往是一个几何体，而几何体里最简单，最善于表达情感的非3角形莫属，正3角形往往表达一种稳定的情绪，多用在建筑，成年男子，成功人士等场合。这里如果有年纪大一点的人可能还记得当年的课本里有一幅描写大庆劳模王进喜的图片就是使用里正三角的构图，表现主体的刚毅和力量。

　　非稳定的三角构图，可以活泼画面，多用在多变的女人身上，下图就是一个范例。当然也有用这种构图来渲染一种不稳定的、烦躁的情绪，但我没有找到合适的图片示范。

　　谁都知道，作曲家和钢琴几乎是二而一、一而二的关系。把主人公安排在琴房这个环境，应该说是再合适不过的了。关键是人物在画面上占据的面积大小问题。纽曼的这种处理包含了某种艺术的辩证关系在内。我们知道，有的物象在画面上占据面积大，可能是画面主体，也可能不是主体，有的虽然看来显得小，倒可能是主体，这就看作者如何处理作品题材内涵和动工构成因素了。一般说来，有生命的、起主导作用的、运动着的、富有变化的，总是更重要、更突出些，相反的情况总是显得重要性不如前者。而在艺术表现上，形体虽大，如果只是属于陪衬物体，又能起着引导视线、突出主体的作用，那么，大的看似为大，实际在观赏者心目中显得小，而小的表面看似小，实际上在观赏者心目中觉得很大。纽曼正是这样理解和处理这幅作品的人和物的关系的。作者为什么只取钢琴的上部而不取下部，人物置于一角而不居中？"我们认为，这出于以下考虑，一是琴面、琴盖、支柱有概括意义，已足以交待主人公的职业和身份；另一方面，从艺术上考虑，为了运用形式美的规律构成画面，人物、琴盖、支柱和琴面构成的三角构图，能够吸引人的视线，引导人们的视觉运动，形成以人物为中心，由人至支柱再到琴盖，两个三角形构图关系，这样既突出了主体，又为读者广泛联系和回味提供时空条件。这是符合观众的欣赏心理的巧妙的艺术处理。"

　　数码摄影入门之六名家名言

　　各大名家说构图

　　有些人或许对构图有天赋。不过，根据美国摄影家维利·奎克的看法，几乎所有的人都能够通过应用一些基本法则，达到具有相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，依据这些方法，任何人都能在短时间内学会拍出较好的照片。

　　维利·奎克指出，摄影者最易犯的错误是拍摄点取得过高，与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。

　　他说：“请记住，画家是把东西画进画面，而摄影者则是从画面去掉一些东西。” 他说：“一张照片应该只有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可能地把它放弃掉。” 这里就是人们常说的摄影是“减法的艺术”

　　奎克认为：“这并不是说，趣味中心非得准确地置于交叉点上不可。正因为如此，实际上趣味中心常出现在交叉点附近。”

　　奎克指出：“每一幅照片都应保持一定的平衡。这就是说，对主要被摄体的安排，不能使画、面出现向分量大的一边倾倒。但平衡并不意味着将两个同样大小和同等形状的东西置于对称的位置。这里的关系，只要你看一下在玩跷跷板的孩子就知道了。跷跷板两边的孩子，小些的一个必定坐在离中央远些的地方，而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。”

　　奎克认为：“把突出的线条安排，指向趣味中心，是拍摄一幅悦目照片的另一个要素。这些线条被称为主导线，有效地利用主导线，可以创造出惊人的照片。把主导线安排成对角线，会产生有力的动感。

　　“线条常常在照片中提供一个边框。这可以通过选择视点来进行，例如在树下通过树枝框住画面上的被摄主体。此时通常使用小光圈，以使整幅照片清晰。这样做，也有可能使边框过于突出，但安排适当，会得到好照片。
　　“在一幅照片中，地平线的位置会给人以强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免处在照片的等比线上，因为这样做会把照片均分为两半，给人以呆板的感觉。

　　地平线处在画面下方，会给人以宁静的感觉，而处于上方，给人的感觉则是活泼、有力的。 “此外，横幅画面可以产生安宁、平静的感觉，而竖直画面则会产生动态效果。”

　　奎克认为，以上方法如果运用得好，你的照片将会出现明显的改观，而且随着时间的推移，你很快就会学会鉴赏构图，从而为你增添摄影的乐趣。达柯认为，有时“如果线条与视觉产生了共鸣，一簇线条本身就能成为一个主体”。美国摄影家L．小雅各希斯认为：“构图是从摄影者的心灵的眼睛做起的。构图的过程也被称为‘预见’，就是在未拍摄某一物体之前或正在拍摄的时候，就能在脑海中形成一个图像或印象。通过经常析自己和别人的作品的构图，就会使自己的这种预见本领更加娴熟，变成一种本能。”这就是我常说的用脑子拍照。

　　奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对此也有同感，对于构图，他己达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为、“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。他认为：“你越能忘记你的器材，就越能集中你的题材和构图，这时相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。” 小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。就是所谓摄影里所有的控制是服务于你想表达的情绪。

　　“在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。……构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它门使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。”

　　摄影家瓦尔特·德·格鲁伊特对摄影构图作阐述。他认为：“每一种构图都是以排列次序为基础的，就像我们从哥士达心理学和信息学原理中所了解到的那样，构图可以用多种方法获得。它产生于相似事物的组合以及对相反事物的强调。排列次序并不是千篇一律的，形态和色彩的疏密和对比也会产生排列次序。排列次序是以一种美学上的均衡为基础的，而均衡则从复杂、矛盾和动态之中造就和谐。”

　　他说：“任何人，只要懂得把照片分成单个的构图成分，借以得出它在美学上的一致性和合理性来审查照片的具体效果，就都会成功地创作出好的作品。" "要获得令人满意的照片构图，须经常分析照片。” 他提出的分析照片构图的最重要标准是：

1．人物和环境的关系以及反差情况。 2.照片所传递的信息的价值以及类似事物。 3．照明和纵深。4.突出的线条和照片的画幅。

　　对于如何获得较好的摄影构图，格鲁伊特提出了以下重要建议：

a．画面所提供的信息不能造成视觉上的混乱。

b．人物和环境的关系要有助于传达照片的意图。

c．应当避免由于人物和环境之间的含糊关系而可能产生的错觉。

d．明与暗的关系或者彩色对比的关系是非常重要的。

e．除了人物和环境在形式上的关系之外，对人物和环境的心理上的权衡也是十分重要的，因为每个视觉印象都立即作出喜欢或不喜欢的判断。无偏好的估价意味着根本没有反应。

f．表现与我们熟悉的物体相类似的东西，使人容易辨认，从而能比较迅速地予以理解。因此，重复内容是必要的。

g．照片的复杂程度一定不能太低(感官刺激不够)，也不能太高(感官刺激过分)

h．每个人对每幅照片的美学评价总是不一样的，而且这种评价是受感情支配的。它在很大程度上取决于观众的认识，他的经历和他的敏感性。

i．形式主义和时髦风尚是不能持久的。这种缺乏独创性的缺点，是不可能用技术补偿的。

j．照明、透视、重叠和影纹的层次变化，有助于在二维空间的平面上体现出明显的纵深感。

k．不寻常的透视效果，有助于使照片生动活泼。

l．有意识地使用突出的方向线和选择适合主体的画幅，会加强照片的效果。

　　数码摄影入门之七用光的艺术

　　说白了，玩摄影就是在玩光线。就如同素描，光线的表现力就是一幅好pp的“魂”下面先讨论几个概念：任何一种光线都存在着三个要素，即强度、方向和色调。

　　光的强度

　　强度描述的是光线的强弱程度，各种光源所发出的光线都有一定的强度。强而直接的光会造成明显的阴影，并且清楚呈现出物体的轮廓，所以常用来勾勒物体轮廓；强光也可增加被拍摄主体的明暗、色彩对比。弱而散的光可以减弱被拍摄主体的明暗对比，使物体表面看来平滑细致。

　　对于摄像的照明，在影室内，强光源常常要作为主光来使用，是拍摄照明的主要来源。而弱光源要作为辅助光来使用，它可以减弱主光所造成的强烈阴影，同时不至于投射出多余的影子。但是光线过强，往往收不到很好的效果，因为强光下形成的阴影会过于夸张，光影效果不自然。

　　拍摄时，如果光线过强，可以通过加装漫射屏或反射板等方法，来削弱光线的强度。和强光相比，散光的光影效果较为柔和自然。可以使主体受光面均匀，反差适中，受光源的方向性局限小。另外还有一种光线就是所谓“漫射光”阴天里的那种没有明显方向性的光线就是所谓漫射光。漫射光不像前面提到的那2种光源，它几乎是没有阴影的，著名摄影家布列松就是驾驭漫射光的高手。

数码摄影入门之八光照度强弱

　　光照度，即通常所说得勒克司度（lux），表示被摄主体表面单位面积上受到的光通量。1勒克司相当于1流明/平方米，即被摄主体每平方米的面积上，受距离一米、发光强度为1烛光的光源，垂直照射的光通量。光照度是衡量拍摄环境的一个重要指标。

　　夏天中午阳光最强的时候，室外光照度可达到100000 lux以上，很容易形成明显的阴影，这并不一定是一个很理想的拍摄环境。而大多数室内照度都在300lux以下。照度不但同光源的发光强度有关，而且和光源到被摄主体的距离也有关。一般情况下，当被摄主体到光源的距离不变时，被摄主体的照度与光源的发光强度成正比；相反，当光源的发光强度不变，但与被摄主体距离发生变化时，被摄体上的照度大致与距离的平方成反比。使用闪灯时的光圈变化就是根据这个原则来的。还有一个法则就是：当一个光源照射于前后两个主体上时，光源越近，那么这两个主体获得的照度差异越大；光源越远，这两个主体接受到的照度越接近。这样的变化在上期的“构图”里得到了运用不同的反差，会造成非常强烈的视觉冲击。

　　说到这里我希望大家不要和上期说的概念做混淆，上期说的是光的方向性，照度是指强度。2者有相当的联系，但，是不同的。强光更加容易得到方向性，可是如果假如满屋这个方向都是5w lux的强光拍出来的pp也是没有方向的用光。又比如在微距的环闪下所有的影子都被“消灭”此时又何来的方向？相反，窗边的肖像，不要看室内的照度相当弱，但是方向性极强，常常用于刻画成年人的稳重和矜持等。

　　现在就光的方向做具体的分类。

　　所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线……

　　数码摄影入门之九光的方向

　　现在就光的方向做具体的分类。所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线。

1、顺光

　　相机与光源在同一方向上，正对着被摄主体，使其朝向镜头的面容易得到足够的光线，可以使拍摄物体更加清晰。根据光线的角度不同，顺光又可分为正顺光和侧顺光两种。

　　正顺光就是顺着镜头的方向直接照射到被摄主体上的光线。如果光源与相机处在相同的高度，那么，面向摄像机镜头的部分全部能接受到光线，使其没有一点阴影。使用这样的光线拍摄出来的影像，主体对比度会降低，像平面图一样缺乏立体感。在这样的光线下拍摄，其效果往往并不理想，会使被摄主体失去原有的明暗层次。这里就不给图了，绝大多数的机载闪灯照明下的照片就是这种光线。

　　而侧顺光就是光线从相机的左边或右边侧面射向被摄主体。在进行拍摄时，侧顺光是使用单光源摄像较理想的光线。多数情况下一般用25°～45°侧顺光来进行照明，即相机与被摄主体之间的连线，和光源与被摄主体之间的连线形成的夹角为25°～45°。此时面对相机的被摄主体部分受光，出现了部分投影。这样能更好地表现出人物的面部表情和皮肤质感。既保证了被摄主体的亮度，又可以使其明暗对比得当，有了立体感。台湾影楼那种很“靓”的照片大多是这种光线。

2、侧光

　　侧光的光源是在相机与被摄主体形成的直线的侧面，从侧方照射向到被摄主体上的光线。此时被摄主体正面一半受光线的照射，影子修长，投影明显，立体感很强，对建筑物的雄伟高大很有表现力。但由于明暗对比强烈，不适合表现主体细腻质感的一面。不过许多情况下这种测光可以很好的表现粗糙表面的质感。

3、顶光、俯射光、仰射光

　　顶光通常是要描出人或物上半部的轮廓，和背景隔离开来。但光线从上方照射在主体的顶部，会使景物平面化，缺乏层次，色彩还效果也差，这种光线很少运用。尤其是在那些“到此一游”的人像片里，正午的照射光线往往会使人物的鼻子下方和眼袋下面出现极重的阴影，非常难看，所以需要表面这种情况的出现。当然特殊情况下顶光运用的好也有成功的范例。

　　俯射光是这三种光当中使用最多的一种。一般的照明在处理主光时，通常是把光源安排在稍微高于主体、和地面成30°～45°角的位置。这样的光线，不但可以使主体正面得到足够的光照，也有了立体感，而形成的阴影也不会过于明显。不过这种光线很少单独使用，大多是在影棚里与其他辅助光混合使用，如与侧顺光位配合等，会产生很好的效果。还是不给图，大家把自己的婚纱拿出来里面就有不少是广泛使用的，我的图片就不贴了，避免麻烦。

　　仰射光又叫底光、脚光，也是一种不多见的打光法。将光源置于主体之下向上照射，会制造一种阴森恐怖的效果。一般电影中使用较多，为了刻画反面人物的阴险可憎，往往会使用很硬的底光。这就不给图了，想要看效果的朋友可以在晚上面对镜子用手电从自己的下巴向上照看看效果。不要用这种方法来吓mm哟！不道德的。

　　摄影中的逆光我个人认为是最俱表现力的一种光线，但使用上最复杂，难度也最高。

数码暗房三要素 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:34:05 +0800

首先，你的电脑至少应该有与外界通信用的端口，象USB、串行口、SCSI接口甚至网络接入口等，有些外设可能会要求IEEE 1394通信口，这些都是你的暗房与外界进行数据交换并将有关图像文件信息导入暗房的窗口，而这些文件信息可以来自数码相机、扫描仪、外置读卡器以及网络等外部资源。当你将图像文件通过这些途径导入到电脑里，你就相当于已经将你拍摄的影像带到了暗房，接下去就该是你在暗房里要干的活了。

　　当然，你也可以通过光驱、软驱或硬盘等设备，直接读取已经存贮好的图像文件，导入暗房进行加工处理。反正就是一点，你先得有要处理的图像，才可进入暗房，否则你就只好进去画画了(如果那样的话该称为电脑绘画，不在我的讨论范围内)。

　　其次，你的电脑至少安装了一种能进行图像文件处理的软件，哪怕是Windows的画图软件，也可以进行一些图像方面的加工处理。当然要真格地玩一玩数码暗房，我想Adobe的Photoshop是你的首选软件。这款神奇的图像处理软件，现在差不多成了数码图像处理软件行业的龙头老大，我从她的Ver 3.0开始接触，一直到现在的Ver 6.0，我对她的着迷程度丝毫未减。如果你跟别人在侃数码暗房时，连Photoshop都不知道的话，那可能会被人笑掉牙的。鉴于这个图像老大的权威以及使用人数的宠大，我在图解暗房栏目中，从开始的导入打开文件一直讲解到存盘输出。在你对数码暗房有个大致了解以后，你就可以开始图像暗房的学习了。

　　当然Photoshop不是唯一的选择，毕竟如今的软件发展迅速，图像软件除了Photoshop以外还有其它大大小小的好多好多，如：Adobe 的其它图像处理软件，还有Live picture, Painter, fireworks, 台湾友立的PhotoImpact、PhotoExpress以及一些数码相机厂家推出的小型图像处理软件等等，另外还有好多具有专项图像处理特效的小型软件。我在介绍Photshop时并不排挤其它的图像处理软件，有些图像作品在制作时会同时使用一种以上的图像处理软件。各种软件都有其长处以及适合的客户群体，举个最简单不过的例子：现在商场街头尚盛行的电脑婚纱处理软件，快速吧!几个女孩子在那儿一坐，让你在图库里找张自己喜欢的样板，再用数码相机"咔嚓"给你拍个头像，往样板上一按就OK了，这些国产软件虽然功能不是很全，与Photoshop相比甚至显得有点幼稚，但目前商业运行尚可，你也不可小看喔。因此我建议，一开始你可以尚试着接触几种图像软件，在大致有个了解以后，再决定使用那一种，或者你也可以掌握一种以上的图像处理软件。但我不建议你不断地学习各种不同的图像处理软件，老话说得好："不求多只求精"。有这精力和功夫，在Photoshop多转游转游，多思考思考，多寻找一点创作灵感，多做出些好作品来，总比你没日没夜地泡在那里学新软件来的强，我也是时常这样提醒自己的。跟电脑打交道的人有个"通病"，对新鲜的东西特感冒，总想靠近它，完了就想把它搞掂，有这精力我就不说了，否则还是省省吧!

　　最后，你至少有一种以上的，可以将你的暗房大作保存并可传递给他人的途径或设施，除了可以在本机硬盘上储存，最简便的就是3.5英寸软盘驱动器了，这种1.44MB大小的磁盘可以存上一定数量的JPEG压缩图像文件，但当你一旦玩高、玩深了以后，就开始注重自己的图像品质和用途了，你很快就发现，1.44MB的磁盘根本不能用作图像文件的保存，所以你会寻找其他的途径，以下提供几个方案。

　　一、通过互联网，这是比较快捷的图像传输手法，但目前由于网络的关系，能通过

过互联网进行高质量大容量图像文件交换，似乎还不成熟，但那些用于网站上的图像文件不也是每时每刻在互联网到处游荡？并且，当你需要与你的图像接受人之间需要进行频繁的制作交流和画面确认时，网络的便利就马上显示出来了。你们可以在网络上进行图像样稿交换以确定最终的画面效果。

　　二、考虑购买移动硬盘、MO或Zip等高容量的存储设备，如果你是专业图像制作师，经常要将自己的大容量图像文件递交客户，输出公司，我建议这么做。

　　三、购买光盘刻录机是目前比较经济实惠的选择，在使用MO等外存时，有时候会发现对方电脑上根本没有相应的驱动器可供你读写，遇到这种情况着实让人尴尬。但普通光盘就不同了，现在的电脑光驱几乎是必配的，因此你把自己的大容量图像文件刻到光盘，到哪里都不会出乱子，并且空白CD-R光盘目前的价格相当低廉。

　　这三种方案只是提供给你作一参考，你可以根据实际情况作相应的选择。好，如果你的电脑已经具备以上三方面的要求，我想你差不多也是前后无忧了，你可以集中精力和创意做你的数码暗房了。

静物摄影的一些基础知识 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:33:39 +0800

静物摄影的一些基础知识（资料收集）

兵法第一号：静物

静物摄影可以当作在技法上或创作力上的一种练习，藉此提高对构图和用光的理解。如同画家一样，摄影师可能凭借静物照去传达对色彩、形态、影调、质感和构图的想象。

静物的布置
静物可以是一个实物，也可以是一组实物，它通常可以像一般的被摄体一样布置。由于静物是无生命的，所以你要以把它们比平常尽可能多地集中起来进行用光和构图。对自己拥有的静物进行布置是值得做的事，因为你完全控制着对物体的选择和布置。建议你先从一个实物开始练习，然后逐渐发展到对互相联系的不同实物进行构图。对所使用的物体不必刻意地以选择，但应该符合一个主题，例如某一地方的实物或某一特定时期的实物。关键是尽可能多地搜集拍摄物。把一切你想表现的东西搜集进来，然后在拍摄时将实物放在身边的桌子上，这样你就能一次一件，仔细地进行构图。

自然静物
这种静物画面自然存在于你的周围，而且自然静物的照片能实际说明你在日常生活中寻找理想画面的能力。比如，商店橱窗里的一堆物品由于其整体上巧妙的排列，或其品种非常奇物，使你流连忘返。从沙滩上的浮木到一堆掉落的苹果，在自然世界中，这类静物举不胜举。

食物
诸如新鲜蔬菜和外来水果之类的简单被摄物不仅给人以美的，而且呈现出其他自然物品所没有的丰富的色彩和质感。食物摄影是商业摄影中的热门，而且专业摄影师还可采用特殊的拍摄技巧来美化食物的外观。

静物布置
这里所列的器材能构成静物摄影的理想装置。单只漫射灯足以提供整体照明，以至于所有的阴影都将按同一方向倾斜。完美地讲，这只闪光灯应该装有柔光箱漫射器，起到柔化光线的闪光灯，以便你能观众到阴影倾余的情况。此外，你还需要一块反射板，把光线反射到阴影上，提高整体照明。

户外静物

户外的拍摄的主要优势在于你所需要的背景和环境由你自己支配。在室内，四周相对比较拥挤和杂乱，装饰物也许会被摄体争夺视线。而在户外摄影，你可以在较宽阔的空间里寻找到理想的环境，对拍摄起积极的作用。

自然光摄影

在户外拍摄静物的不利之处在于限制和削弱了你对照明的控制，在室内拍摄，你可以随心所欲地设置闪光灯和反光板，可以把光打向墙壁和天花板进行反射照明。然而，在户外，你就得依靠自然光——或是直射的阳光，或是阴天的天空光，而后者更为人接受。当然，你可以利用反光板来影响照明质量，改变光线的照射方向，照亮被摄体上的阴影，缩小反差，另外，你也可以使用闪光灯加强照明效果。

简述“按照暗部曝光，按照亮部显影”的心得 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:32:18 +0800

简述“按照暗部曝光，按照亮部显影”的心得

“按照暗部曝光，按照亮部显影”这是流传甚广的一条曝光基本原则，
我从很小的时候就听说过了。经过实践的检验，的确合理。但是一直
都没有很洞悉其中原理。

昨天值班查岗的时候，百无聊赖，拿出挚友Issac送给我的亚当斯论摄
影翻看一段，发现其中一个章节对这句话解释的非常清楚。真是开卷有
益阿！一些很熟悉的书，每次再看都会有更加深刻的感受。

所谓底片是篇章，放大洗印是演奏。得到适合恰当的底片是做好作品的
最为关键和基础的步骤。一张成功的底片应该尽可能多的保留所需要的
细节和信息量，并且将层次充分展开或者压缩到合理的区域内。我们在
拍摄的时候，关于曝光控制最重要的目的就在这里。

那么，观察胶片的感光曲线，会发现如何安排趾部，肩部以及直线斜率
这三个因素就可以基本上确定这条曲线的性质。当然，由于胶片性质差
异感光曲线的特点会不同，实现的风格特点也不一样，这是后话，暂且
不表。现在我们只就这三个方面分述如下：

安排趾部位置的曝光量，取决于所选取的的暗部截至细节。一般来说在
可能的情况下我们希望尽可能保留暗部细节的存在。由于负片的特点，
以及后期加工的难易区别，往往我们更加注重保留暗部细节，宁可因此
丧失一部分亮部层次。这就要求考虑按照暗部曝光。研究需要保持的最
暗部的细节区域的曝光量，将为全幅画面的曝光提供一个基础标准。当
然不要把这样的控制误解成为直接用测光表对暗部测光所获得的EV值。

按照上述过程获得曝光总量，对肩部的影响是很大的，也就是说会有相
当多重要的亮部层次落入肩部而不是直线部分（很不理想的情况）。这
个时候就需要利用显影过程来进行控制和补偿。有一些人将曝光和显影
的过程分开了，或者也知道按照暗部曝光，按照亮部显影这样基本的规
律，但是到底曝光控制几挡，显影控制几挡却是相互分离，没有量化的。
事实上显影到什么程度是应该按照当时拍摄的时候对所需亮部细节的测
光数值进行判断。我这里不深入讨论定量的过程，仅仅谈论一下感性认
识。

改变曝光量会让密度曲线左右平移，而改变显影会让密度曲线上下升降。
由此当按照暗部曝光得到的趾部变化，必然会影响肩部的位置；用显影
控制肩部位置，就可以保证整条感光曲线在所需要的感光区域和密度区
域上充分展开，得到尽可能多保持有用信息的，层次跨度大，细节丰富
的底片。这就是控制肩部的意义，或者说按照亮部显影的意义。

一般说来，上两部已经能保证获得正确的底片。那么曲线斜率将怎样控
制和产生什么效果呢？首先我们可以看到，对于一定类型的胶片，控制
住趾部和肩部的位置，事实上留给直线斜率可控制的因素已经不多了。
或者说按照暗部曝光，按照亮部显影本身也是控制直线部分斜率的基本
原则。而在这里我想认真谈谈除此之外的其他控制直线部分斜率的方法。

当然，选用不同特点的胶片是一种方法，比如ILFORD的DELTA100跟KODAK
的TMAX100的感光特点就不一样，后者直线部分很长，而且要陡峭；前者
却以能够提供丰富的暗部层次见长。所以选择不同种类的胶片，对所要
表达的主题是有帮助的。

再有，选用两液显影法和高度稀释的显影液对改变曝光曲线的性质，尤其
是肩部长度以及直线部分局部斜率具有很大的控制作用。由此出发，选用
不同特点的显影剂也将会有不同的特点区别，比如菲尼酮与米吐尔的特
点截然不同，造就了MQPQ两大系列的显影配方。当然局部显影也是有用的，
但是在要小面幅底片上实现，显然很困难。这是相关的显影的控制。

曝光之前进行预曝光，让胶片越过基础灰度的阈值，是控制感光曲线的趾
部的重要方法，也因此在没有改变整体曝光数值的情况下控制了暗部细节
的表现。由此可以在控制趾部和直线斜率有冲突的情况下选择使用这个方
法。

在洗印的时候运用局部曝光的手法，可以极大的改变影调关系和直线部与
趾肩部的相对关系。也因此只要底片保持了足够多的信息量和细节，层次
表现的问题甚至是可以放到后期制作去处理的。所以关于直线部的斜率表
现在下一步还大有可为，故对底片的显影的时候倘若无法完美，也不必苛
求。

上面所述的曝光曲线的控制，在数字图像中运用调整亮度，反差与GAMMA曲
线可以方便的完成。

最后总结一下，对于负片而言，曝光主要是控制了画面的暗部，显影主要是
控制了画面的亮部。显影和后期处理可以一定程度上改变灰度层次的相对位
置，以及直线部分的斜率，从而改变画面的影调和风格。因此“按照暗部曝
光，按照亮部显影”这个定律就是亚当斯曝光理论的一个精辟总结，值得我
们借鉴。

徕卡：世纪的神话 ... 10 replies

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:27:37 +0800

一个优秀的专业摄影师不一定会拥有徕卡，但凡是对摄影略通一二的人士都不会不知道徕卡牌相机。对于现代人们来说它已不是简简单单的作为一个品牌相机存在，而是近乎某种信仰，某种潜藏于内心梦想般的追来。
　　细细想来，我们还刚刚与20世纪挥手道别，而上个世纪留给我们的诸多“财富”，又岂能是挥挥手便离弃的呢。当我作为一个摄影界的圈外人，来了解徕卡的时候；令我震惊的并不是它已经拥有的完美的机件和优秀的性能，而是它能左右全世界的徕卡迷的喜怒哀乐，能让那么多的人为了那个圆形红色小徽标，在心底默默种下不变的愿望。也许只有拿起徕卡相机轻轻按一下快门，听听那清脆的咔嚓声才会慢慢体会出标卡真正的魁力。
　　位于德国中西部的威兹勒小镇，是二战中盟军轰炸机唯一没有涉足的地方20世纪初，德国中西部的一座名叫威兹勒的小镇静静地矗立在山清水秀之间，那里古朴幽静，老式风格的屋顶参差密布在碧绿的山丘之间，整洁狭窄的街道两旁是木制结构的楼房。这小镇上的人口不过两三万，却名震四方。这里就是德国的精密光学仪器的重要基地，也是德国面对全世界最为自豪的理由之一。这里更是当年作为盟军的美国轰炸机轰炸德国时，唯一被美国军方指定保留的地方。
　　上个世纪初，这是云集了全世界最优秀的光学和精密仪器巨头“徕兹”和“蔡司，今天，由徕兹而来的徕卡集团使这个小镇变成了全世界摄影者的朝圣地。如今，虽然徕卡属下的相机企业已搬到离城数公里外，但旧日徕卡厂房顶上的标志仍在小镇上空闪烁。
　　在这个童话般的小镇中，发生了什么事似乎都不会令人惊奇。1931年的某一个普通的日子，徕卡的神话就发生在这里。故事的主人是徕兹公司的首席光学技师奥斯卡·贝那克先生。他不光喜爱拍照，更喜欢用摄影视拍摄短片，所以熟悉电影里用的35mm胶卷。最初的相机是用来拍摄时测曝光度的，他按人眼视角设计了24×36mm底片幅度的小型相机，这是电影机片幅的两倍，可提供质素和颗粒都可以接受的快速照片。这比当时已有的又大又笨的相机要先进的多，并且拍摄效果出色，其轻便的特点更令贝那克爱不释手，并开始考虑研制便于携带的新一代相机。这台采用42mm定焦镜头，1／40秒快门速度，可以拍摄40张底片的“测光机”成为世界上第一台带测距取景器的135相机。从此也改变了相机的意义，使它成为更多人手中把玩的工具。
　　在以后的漫长岁月里，徕卡相机的许多产品的特性都来自这台“徕卡始祖”。10年后，徕兹公司在莱比锡博览会上推出了30台徕卡相机，徕卡相机也从此开始了它的摄影之旅。伴随它的是世界极的优秀摄影师，它记取的是世界上发生过的每一个惊心动魄的场面和今世人刻骨铭心的时刻。
　　然而，徕卡并不是优越地坐在相机业的宝座之上，毫无后顾之忧。60年代，日本公司崛起，一派龙争虎斗的局面。而数十年撕杀下来，欧美相机公司就剩下徕卡和Contax两家始终屹立不倒。日本相机轻便、易操作，有高技术的电子对焦系统，采用较便宜的愿料，很快占领大众市场。而徕卡依旧保持手动对焦，原料和制作还是沿袭自己独特高质高伙的品牌形象。“当时日本人席卷全球市场，先进技术，大规模流水生产，价钱上没有欧洲厂家可以相敌。我们的唯一武器就是传统技艺和经久可靠的质量。但市场都以层出不穷的电子产品为导向，是塑料相机的时代，很少有顾客还在考虑买一台相机用一辈子。”一位徕卡经理对80年代开始的电子技术相机市场大战仍记忆犹新。
　　今天徕卡的主厂房坐落在一幢占地12000平方米的白色工业建筑物内，在翠绿掩映之中若隐若现。经理、设计办公室和生产车间都在一条长廊上，经过一道门就可以来往。如果看到脚下的地板颜色从浅灰变成了米黄，那是在告知我们生产厂区到了。此地没有大规模流水线，没有电子操作的工业机械人。年近60的海伯特·马丁先生坐在车间的一角带水池的工作台前，带着老花镜，正一丝不苟地用特制的泥液洗磨镜片，他说：“因为这工作全靠手指上的感觉，没有满意的机器可以替代。”他在这里工作了40年了，有1／3的徕卡员工在这里工作超过25年，并且大都是为着徕卡相机的魅力而来到这里的。当他看到采访的记者拿出佳能相机拍照时，他竟动怒于他用的不是徕卡。
　　一部徕卡相机，成了一个异乡游子的身份证对于徕卡迷们，徕卡已不仅仅是一部记取美妙瞬间的理想工具；而是一种生于心底的倾慕和神往。许多摄影大师和显赫名人；用它来留驻每一个精确完美的画面。德国电视主持人，自己也是使用徕卡相机的摄影师Dagobert Lindlau先生如此评论徕卡相机的使用者：他们都是具有特殊能力的人，可以过目不忘，见过的风景、事物、人脸都可以长久记忆，脑子里总有些画面，他们用里面的眼睛看世界。对这些人，照相机不是用来拍周围事物的记录器；而是用来展现他看见的图画。在这样的照片上，一瞬间的魔力，凝固的是“感觉的记忆”。
　　当然，能够成为世界顶级摄影大师的人，还只占少数，他们借用徕卡顶级质素的技术功能来完成他们的不朽之作。而成千上万离不开徕卡的摄影师们；更信赖的是徕卡几平坚不可摧的强固机身，在这方面，徕卡家族亦流传着许多美丽动人的佳话。
　　最让人感叹的是美国航空摄影师Mark Mayer的一段惊险经历：当时这位摄影师正在8,000多米的高空战斗机上，用一架Leica-flex SL2 MOT俯拍另一架飞机，不料因两架飞机相距太近，致使飞机突然失控，撞上了被拍的飞机。
　　虽然摄影师与驾驶员还来得及跳伞求生，但他的徕卡相机却没那么幸运，从8，000多米高空直坠入加里福尼亚荒茂的沙漠中，事后经多次寻找都未能寻到。直到一年后，美国海军陆站队在此地演习时，一名军官发现了埋在沙漠里的相机，幸亏机身的门因受损无法打开，才将它送到一家专业相机店处理，并冲洗其中的底片。结果躺在炎热沙漠里一年之久的幻灯底片因为机身封闭良好，居然毫发无伤。当看到底片上的飞机，店主才想起以前读过的有关飞机坠毁，寻找相机的报道。最后终于找到并归还真正的原主。现在这台历惊凶险，依旧身无大伤的“神话相机”珍藏在徕卡公司的博物馆内。另一个有惊无险的故事发生在法国导报摄影师Eric Valli的身上。
　　这次经受考验的是 Leica Summilux-R1.4/80镜头，地点是在尼泊尔的高山地区。当时摄影师为了拍摄一组野蜂聚居地的画面，用绳索攀上一座直立80多米的悬崖。当靠近峰顶时；他将自己悬在空中更换镜头，这只670克重的大光圈镜头不慎脱手，落入深谷。当他听到镜头与岩石碰撞出的刺耳声响时，已全然放弃了希望。等回到崖下，找到镜头时，他发现除了外面的金属环有损伤外，里面的玻璃丝毫未损；并仍可以调控拍摄。直到用它拍完整组作品，回到欧洲才将它送到徕卡公司检验，发现除了镜头中心有肉眼看不出的偏移外；整体质量没有影响。值得一提的是这位摄影师用该镜头拍完的这套作品还在荷兰摄影大赛上赢得了“World Presse”的自然摄影大奖。
　　像这类的奇迹对于徕卡似乎比比皆是，在一次北极拍摄跳伞镜头时，徕卡在零下90度的极端环境，也是载誉而归。徕卡所创的这些记录，至少告诉我们一点；徕卡相机是为一辈子而造的，而且绝对专业。因此它的价值也不寻常，如果你因此而想拥有一台徕卡135相机，那么你就得舍得掏腰包。
　　如果说徕卡相机是专业摄影师的理想的装备，那么对于那些摄影发烧友，徕卡相机总会不期然地为你带来一些意外和感动。一个故事就发生在一个中国小伙子的身上。这个略带古怪的年轻人从少年就开始迷上了徕卡相机，但那时也只是一个理想。谁知这个理想会越来越强烈，最后膨胀成为他的目标。终于有一天家境平常的他用自己多年苦心积蓄下的钱买了一台徕卡相机。接着他的第二个愿望就是去欧洲旅行，当他到达卢森堡时，已身无分文。在欧美国家里，使用现金的行为是很少有的，这是银行信用制度完善的必然结果。因此在这些国家要想提取稍大金额的现金，是受到严格的检查的。当他走进一家银行准备取款时，柜台后面的接待小姐请他出示证件，于是年轻人将挂在胸前的徕卡相机摘下放在柜台上；正要伸手从外衣内袋中掏护照，只见；那位卢森堡的小姐微笑地敲了一下柜台玻璃，指了指那台徕卡相机对他说；“这就是你的护照。”他顺利地取出现金，而这件事却令他感动良久。
　　58和红旗20是中国的“徕卡”，它们诞生在“红旗文化”时代徕卡相机的仿制品从30年代就开始出现，许多国家都争先仿制高素质的徕卡相机。1933年；前苏联的费得相机已经将徕卡仿制的惟妙惟肖，这也是第一家国外公司生产仿徕卡相机。紧接着，日本的佳能公司也推出了徕卡的仿制品汉斯·佳能。这是一款装有弹射式取景器和尼柯尔镜头的35毫米相机。此后，有着精机光学研究所强大基础的佳能，便以徕卡为标准，生产了一系列的徕卡铐贝产品，并具有很好的性能。此外，尼康、前苏联的佐尔基都稚出了徕卡的仿制品。并且推动了尼康、佳能两大相机公司的飞速发展。
　　在这里；应该特别一提的是，中国的徕卡相机仿制品。它们是上海58系列和红旗20。在此之前，北京也曾有过徕卡版相机问世，如1956年的大莱牌和香山牌实验机，但未能形成生产规模。上海58-1是中国徕卡拷贝中的经典；也是徕卡仿制品中比较成功的作品，产量十分有限，故此已成为收藏品。红旗20则是仿制徕卡M级产品的闻名之作，又加上它的特定历史背景，使之在市场上大大升值。
　　今天，中国的徕卡仿制相机已成为收藏家们的坐上之宾，连同它诞生的那个年代留给世人的痴狂和伤痛都被小心地陈列于展柜之中。而出自Sloms的徕卡每一代产品将继续牵动着徕卡迷的美梦，就像一位多年收藏徕卡相机的中国老先生，半夜总从床上爬起，拿出徕卡者相机，轻轻按动快门，在黑暗中听到那金属机件发出的依稀可辨的咔嚓声后安然入睡。就像一个中国摄影记者，在经过中东“死亡之路”时，除记得把老婆牢牢绑在汽车座椅上之外，自己手中紧握着的就是徕卡M6相机，每到他感到紧张和恐惧的时候，他总是习惯抓住那台陪他出生入死的徕卡。关干徕卡的故事，常常让人心动，它身上的魅力和灵性，已成为许多人梦寐的向往。

怎样让你的照片主题鲜明，主体突出 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:26:54 +0800

如何使你的照片主题鲜明，主体突出是摄影的一个很重要的问题。摄影是造型艺术，造型就要主题鲜明，要想主题鲜明，有时就要主体突出。即使在风光摄影中，虽然不像纪实或人像那样有一个很指向性的主体，但是仍然有一个相对比较突出的主体或主体群，这样你的摄影才能表达的鲜明生动。造型造型，营造有型的事物，营造就是布局和构图，本文主要从构图、用光、影调、光调、色彩等几个方面进行总结，难免有个人偏见，请批评指正。

一、构图

　　所谓构图，就是对镜头内的景物进行组织安排布局。主要取决于摄影的角度、视点、取景范围等。角度视点主要取决于观看事物时摄影者与景物之间在三维空间的位置关系，比如距离多远、高度多高、方向如何等，这是观察事物和摄影的最基本的问题，也就是抢占有力有利的地形。视点角度方向确定了，接下来就是选取镜头取景范围，也就是选取事物的哪一部分，突出事物的哪一方面。这不仅取决于镜头的焦距，有时也会因为摄影环境的开阔与否。摄影环境开阔，取景的自由度就高，反之就会低。关于怎样选取视点问题不做详细讨论，重点讨论一下如何在镜头内布局景物，就像如何在画布上作画一样。

　　我个人认为，不论你选择景物的那个侧面，都要选择这个景物在这个侧面的最有特点的部位进行表现。一个景物或事物，不管在什么方向上都会有一个最为生动形象的特点，把这个事物在这个方向上的特点表现出来就达到了造型的目的。其次，任何事物或者景物都有所谓的前后左右的方向问题，至少在你观察的位置上或者约定俗成的会有一个这样的方向问题。比如人，我们把面部朝向作为正面，就会分为正面、侧面、后面、上面、下面等。细分就会出现作前侧、右前侧、左后侧、右后侧等，俯视、仰视、还有前俯、后俯前仰、后仰等。

　　构图上最基本的构图方法有几何中心构图法和黄金分割点的“井字”构图法。几何中心构图法就是将主体安排在画面的中心位置，这种构图方法主要运用在具有左右、上下几何对称的主体事物当中，例如具有左右上下对称的建筑等构图中，一般左右对称的往往将主体安排在左右的中心点上，上下对称的主体安排在上下的中心点上。“井”字构图也就是根据主体的朝向将主体分别安排在“井”字的四个黄金分割点上。这两种构图是传统的基本的构图方法。由于黄金分割构图比较普遍，有时在拍摄具有对称的主体上也会运用上，比如，一个主体时左右对称有时会将主体或者主体重的主要表现部分即视觉重点（有时又叫视觉趣味点）安排在左右的中心偏上偏下的某个黄金分割点上，上下对称的主体或视觉中心也是如此。这两种构图是比较传统的具有内敛性质的构图基本方法。除了对称以外，还有平衡构图，就是主体和陪体在画面布局上看上去会感到左右重量的平稳，上下的平衡，给人以四平八稳的感觉。

　　拿人作为主体进行举例，我个人的做法是，将人放在一个立体的空间中，这个立体的空间是一个圆柱型的空间，在这里我只考虑左右的关系，上下的关系可以参照左右关系进行变通。这个圆柱以画面的中心为中心，以到左右黄金分割点为半径，一个站着的人则假想他在圆柱的边缘上，面部是向着圆柱中心轴的，当他面对你是不同的方向性时，可以考虑是他在圆柱上转动到不同的位置，正面对你和背对你的时候可以假想成是圆柱将人转动到这个位置，所以构图的时候人会在中心位置，当人是左或者右侧面的时候，人的面部正对画面的中心轴上，这样圆柱就将人转动到最左边或最右边，当人是左右前侧身看着你的时候，就假想是圆柱将人转动到了与你形成的这个位置，人的布局就要多少相中心位置偏移，这样相对就会感觉平稳和平衡。人的正面对着你越大越接近中心轴，最大值就是正对你，正面对着你越小，越偏离中心轴，最大值就是完全侧身对着你，在圆柱的左或者右的边缘上，也就是黄金分割点上。

　　这只是自己的个人构图方法，有时在拍摄过程中有时是不能完全遵照这种原则的，有时会因为主体的动作视线等好多因素进行综合考虑，大多数情况下只是大体上遵循这样的原则。这是单个人作为主体事物的时候，别的方面风景等构图可以参考这种构图方法灵活运用，而且主体或者主要视觉中心不同，构图的方法也会不同，比如我们拍人的全景的时候可以遵循这种原则或方法，如果是近景或者特写，则表现的主体或重点就不再是人而是人的表情或者人的人的眼神，因此这只是个人的一般的方法。当拍摄主体和重点不是单个而是有主体有陪体的时候就要将主体与陪体考虑进去综合布局，这样这个假想的圆柱就不再遵循黄金分割的位置关系，这要靠自己的感觉进行确定和安排。以上主要考虑和说明的是传统构图中最基本的两个构图方法，除了对称、平衡、黄金分割“井”字构图外，还有很多种，诸如：环形、S形、三角形等，除了对称平衡关系外，还有陪衬、对比、呼应等关系等，这些都是传统构图中比较注重考虑的布局和关系。

　　传统构图主要是这种内敛式的追求画面对称、平衡、平稳的感觉，画面内部的景物之间，景物与环境之间形成一种和谐。整个画面看上去是一个完整的自成系统的世界。这样的构图我们称它为传统的保守性构图。与保守性构图相对的就是开放性构图，所谓开放性构图，就是，在构图上打破传统中那种追求对称、平稳、平衡、自成一体、自成系统的构图方法，追求画面内部与外部的交流，画面空间是开放的，就是将欣赏者的个人感受和想象空间考虑进去的一种构图方法。这种构图强调了画面世界与画外世界的相互关系，强调了画面与欣赏者的互动关系，考虑了欣赏者的参与权利和参与意识，这是最近艺术理论人性化的表现。文艺理论中接受美学认为，一部艺术作品是在欣赏者参与以后才算作品的最后完成。欣赏者的欣赏水平、趣味不同，就造成了作品的内涵的不同，因此作者不能将自己的欣赏趣味和价值强加于欣赏者，不能强制欣赏者接受作者所表达的趣味和价值，要求将作品交给欣赏者去解读和重构，因此，开放性构图往往将主体与观众、画面空间与现实空间的关系考虑进去进行创作，形式上往往不遵循传统构图的对称、平衡、平稳，追求一种自然的未加主观干预的状态。表达的主题往往指向性不强，主题思想具有多义性、模糊性和含蓄性等。
二、光影

　　艺术是表达宣泄感情的载体，摄影是光影的艺术，是用光作画，因此光影成为摄影除了构图以外的另一个表现因素。因为有了光，我们才能根据光影的分布进行构图，所以就摄影的本质来说是光影。所以用好光对摄影来说尤其重要，不论是图片摄影还是影视摄影。在色彩未参与摄影的黑白摄影时期，光影是表达感情的一个根本因素。

　　光影分为影调和光调两个部分，笼统上都可以称为影调，两者之间有着非常细微的差别，往往统称为影调，但是这两个的侧重点有所不同。影调往往侧重画面的整体调子，光调往往更加具体，主要指光与影的具体分布也就是光的阶梯分布性质，色彩参与摄影后，在影调的基础上有产生出色调。（我的这种说法不知是否科学，因为是信手写来，还有待大家指正。根据画面的明暗成分的多少，影调分为高调、中间调和低调，也称亮调、中间调和暗调，根据明暗的对比强弱，分为硬调、中间调和软调。这两种调子所指是不同的，亮暗调主要指的是影调，硬软调主要指的是光调。一般来说，亮调表达的情绪明快、积极、向上，但是也会给人浅薄不厚重深刻的感觉，暗调表达情绪抑郁、阴暗、沉重的情绪。硬调表达的情绪结实、厚重、有质感、矛盾关系尖锐，是一种冲突而不是抵触。软调表达轻快、矛盾关系表现平缓，是一种抵触而不是冲突。影调光调的风格形成主要由客观和主观光线、质感两种因素有关。

　　比如，客观上：在光线不足的晚上，夜景当然是暗调为主，白天当然是亮调为主。又比如，拍摄金属和拍摄棉花，主体本身的颜色也会决定拍摄画面的调子。光线的多少，主体对光线反射的多少决定了影调的性质。光线的软硬强弱决定了拍摄画面的软硬，在柔和的日光灯西下和在明亮的中午阳光下拍摄，画面的软硬就会不同。同时，周围环境的反光程度也决定了画面的调子，比如在涂满白色的病房中和阴暗潮湿的牢房中，拍出的画面的调子就肯定不同。除了客观上光线的因素外，影响画面调子的因素还跟曝光组合有很大的关系，当以较亮的物体为曝光基准时，画面往往较暗，呈现低调暗调硬调特质，当以暗的事物为曝光基准的时候，画面往往呈现亮调高调特质。此外，还跟光的性质和用光角度和主光副光或叫辅助光的比重有关，一般情况下，正面光拍出的画面比较亮，侧光则为中间调，侧逆光或逆光比较暗，主光与副光的对比大拍出的画面比较硬，主光与副光的对比比较小，拍出的画面比较软。主光照射的角度和面积往往决定画面的总体调子。光线运用也决定画面的情绪，正面光和主光副光对比较小往往表达明快，因此由于光影的比重不大，往往画面比较平淡，立体感不强，适合表达明快的主体。侧光和主光副光对比强烈往往画面深刻，立体感比较强，适合表达较强立体造型。侧逆光和逆光则会出现鲜明生动的轮廓，使主题表达生动，但是也会具有不同一般的视觉感受，适合表达特殊的视觉情境。

　　光线决定影调光调，决定了画面情绪的表达。同时作为构图因素，也是构图中考虑的重要因素。在画面中，不论什么样的画面，我们所要表达的主体或主要部分，主要内容都会在一定的环境当中，因此，任何一幅摄影作品都会有背景，这也是现实存在的必然，因此怎样正确处理好主体与背景的关系成为构图考虑的重要内容。我们往往为了突出主体或重要部分，往往把主体放在反差比较大的背景上，这样我们表达的主体就会鲜明生动，有立体感。因此构图上考虑光影就成为突出主体的一个非常重要的手段。一般情况下，明和暗往往具有这样的感觉和性质，亮的事物往往给人明快、活泼、开阔、扩展、向后纵深退缩的感觉，暗的事物往往给人沉重、抑郁、内敛、顽固、向前的感觉。因此，在构图上，我们常常将暗的事物放到亮的背景上，比如剪影；或者将亮的事物放在暗的背景上，比如火光、烟火、日出等等，将具有明暗分布的主体放到反差相反的背景或者具有中间调子的背景上。因此，要想将主体表达生动，往往注意将主体和背景分离。其中光影的运用也是一个非常重要的因素。

　　讲到背景与主体的关系，顺便提一下主体与前景的关系，主体与陪体的关系。前景就是处在主体前面的景物，在一幅摄影作品中，摄影主体和背景是必不可少的，但是前景则是根据摄影构图表达的需要进行取舍，有的景物也会根据环境取舍的。环境中如果没有前景就没必要为了前景而假造前景，这样就违背了艺术真实的原则。有的环境，当前景对事物的主体具有强调、衬托、突出作用时，或者为了创造一种纵深的环境感觉、或者为了表达一种形式上的美感，我们往往会加上一个前景作为陪衬，是主体更加鲜明生动。前景的取舍往往会跟主体有一种关系存在，或反衬、或强调、或呼应、或加强环境渲染等等。陪体有时是作为主体的背景出现的，有时是作为主体的前景出现的。有时又是作为与主体发生呼应关系的一种关系客体而存在的。处理好主体与陪体的关系有时会使画面生动饱满。就像花与叶的关系，以花为主体，没有叶子作为陪体和背景，花就会单调乏味。再如以一种凋谢了的花为前景和陪衬，就能反映作为主体的花生命力顽强的象征意义。再如，如果一个盛开的荷花和一个含苞的荷花的映衬可能表达一种成长的关系。一个成熟的莲蓬与仅剩一个的花瓣的对比与衬托就会形成一种生命更替和孕育的意味等等，因此处理好主体与陪体的关系能够表达的深刻全面。

三、色彩

　　色彩除了真切还原物体的本来面目使人获得正常的视觉感受以外，也是最为重要的情绪元素。在色彩未进入摄影以来，情绪的表达主要依赖于影调的营造。色彩一旦进入摄影，就成为摄影中最为重要的情绪元。色彩与光影共同形成摄影的视觉造型重要载体。因此在彩色摄影中，我们讨论摄影的情绪表达一般会讨论画面的影调和色调两个方面。

　　影调已经在上面讲过，单就色调来说，一般分为暖调、冷调，当然也有中间调，但是由于色彩的鲜明性，一个摄影画面中很难做到冷色和暖色均衡，因此大部分的彩色摄影中都会有一种色调的倾向性。色调的倾向性决定了表达画面艺术感情的倾向性。色彩的运用还能够体现画面的旋律，形成和谐统一的节奏。所有的艺术都是具有节奏的，旋律和节奏决定了感情表达的起伏。因此，一部好的艺术作品，往往非常注重旋律节奏的和谐统一和节奏上的变化。
四、镜头

　　摄影镜头的运用，往往使摄影的主体透视关系形成感觉的不同。因而使摄影风格形成独特的风格。大家知道的常识就是，广角夸大了主体与背景前景的位置关系，夸大了视觉透视感觉上的效果，往往产生纵深感，是画面更加有层次。长焦镜头压缩了主体与背景。前景的位置关系，使画面产生靠近和拥挤的感觉。同时，由于镜头的不同也会产生景深的不同，广角产生纵深的景深，景深范围大，长焦往往景深浅，因而会使前景和背景模糊甚至完全虚掉。广角视角大，包括较大的范围，长焦视角窄，往往包括范围较小。为了突出摄影主体的特点，我们往往选择比较合适的镜头进行创作。比如，表现广阔的空间、风光，显示磅礴的气势，或者突出主体在前方的位置，我们往往用广角增强这种效果。为了表现空间的拥挤或者特别强调主体的特点，往往用长焦，将主体进行特别的强调突出，进行虚化背景。我个人还认为，通常所说的那种景深镜头往往更加具有纪实风格，表达的含义更加客观真实，摄影者个人的主观干预较少。长焦镜头由于突出了主体的特征，具有较大的主观性，因此感觉具有较强的个人主观感情和风格，长焦表达的往往是一种心理因素起作用的影像，比如浪漫等性质。有时为了表达某种构图形式的美感，这种长焦往往会形成一种平面化的几何图案的视觉风格，构图简洁使画面形成一种的抽象的感觉。广角往往强调的是主体与陪体的大小对比关系，长焦强调的是主体与背景前景的虚实对比关系。

五、运动

　　除了镜头上景深的大小虚实对比能够是主体更加鲜明突出外，运动的对比往往也会使主体更加突出。为了使表达的主体鲜明突出，我们往往会利用运动进行表达，有些干脆是表达运动。当然，所有的艺术都是在表达运动和节奏，节奏就是运动的一种外化形式。只不过，摄影表达的运动是一种运动状态、运动趋势、运动瞬间，是凝固了的运动。为了表达运动，有时会通过运动的环境表达静止的主体，比如加长曝光时间拍摄路面中间的岗亭，那么路上行驶的车辆就会形成运动的虚像，晚上会形成光带的脱影。有时为了表达运动的主体跟拍运动的主体，用较短的曝光时间来凝固运动的主体，而背景则形成虚的脱影，比如跟拍行驶的车辆或者运动中的足球运动员。有时让主体模糊纪录被摄主体表达主体的运动，比如拍摄夜晚的车流，使公路上的车流形成光带的河流，延长曝光时间，时瀑布形成白色的柔和的丝带感觉。有时又会通过凝固主体运动的瞬间，表现主体的本质和精神，如，高速拍摄子弹穿透苹果，使人能够充分认识了飞速运动中子弹的某一个瞬间的状态，迅速扑捉某一个战士中弹一刹那的状态，表现战争的残酷和战士的英勇精神等等。因此，摄影的表达速度，使我们看到了运动着的主体事物的状态和本质面貌。有时，摄影的本质其实就是在纪录各种事物的本质和精神，而这种本质和精神恰恰是通过运动表达出来的，因此表达运动成为摄影求真求实的一种更高的要求。

　　科学与艺术是诠释客观事物的两个方面。人类的知识最根本上就是在这两个方面中进行拓展和延伸。科学研究表达的是世界是什么、为什么这样和过去怎样成为现在、现在将怎样成为将来的问题，是理性的逻辑分析，是理性的知识。艺术表达的是人类与世界的感情关系，这就是人类的美的问题。艺术知识告诉人们什么是美的，为什么是美的和怎样产生的美的问题。艺术来源于人类与世界的互动。音乐来源于运动中的号子，当号子有节奏的表达就沟通了劳动的步伐统一了思想意识和情感，加强了人们之间的交流。因此艺术是人在与世界的互动关系中形成的，艺术的这种与现实实用性相联系的本质决定了艺术的真实性原则，真实成为艺术的生命。既然物质是运动的，物体的运动是绝对的，静止是相对的，因此，艺术作为人类认识世界的一个方面，是人类与世界互动过程中形成的，它不可能避免的就要表现物质运动这一实质。因此，所有的艺术都是在描述、表达、表现运动。摄影作为艺术的一个门类也不例外。因此，本质上摄影表达的都是事物运动状态这一事物的实质。大家可能认为风光摄影和人像摄影表达运动不是很强烈，其实不然，风光摄影中风光的奇观是表达的是地球地质的变化、四季的更替的运动；人像摄影中表达的是人的行为和精神活动这一精神运动。因此在人像摄影中，准确细腻的抓取人物细微的表情，更能够反映人的精神面貌，因此著名的摄影大师都非常注意抓取人的最为生动细微的感情的那一个方面，而那一个方面往往也是最为人最为真实的一面。比如抓取痛不欲生的表情和动作可以反映人们痛失亲人的悲痛，反映人类崇高的亲情，抓取细微的羞涩与喜悦表情可以表达少女初恋的幸福温馨和反映爱情对人类的影响等等。因此，人像摄影高的境界不是模特的姿势摆的如何优美而是在优美的外表下一颗崇高的心灵。

“晴天 f/16”法则 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:26:16 +0800

“晴天 f/16”法则

(TTL:through-the-lens)的测光表使我们进行的摄影工作简化了很多。

如果没有测光表，会感觉到有些迷失方向或混乱。

在明媚的阳光下进行摄影的时候，正确的曝光参数是一个不变的常数。

在这种情况下为了得到正确的曝光值，应该遵循 “晴天f/16”法则。

“晴天f/16”仅适用于明亮的、直射的太阳光线，而不适合凌晨或黎明的太阳光，也不适合薄雾或阴天的光线。

“晴天f/16”不适合在太阳离地平线很近，光线很低时。

“晴天f/16”也不适合拍微距，因为许多镜头在近距离对焦时有效光圈的大小都会发生改变。

“晴天f/16”法则只适合应用于正面光照的被摄物体(太阳光从高于你的肩的高度直接照射到被摄物体上)。

“晴天f/16”只对均匀(average)色调的被摄对象有效，太亮或太暗物体都会出问题。

理论上，光圈f值只在无限远处是准确的。

相同光圈下，当焦点移近时，焦点处进入镜头的光线也会减少。

TTL测光表已经把这些变化计算进去了。

使用“晴天f/16”法则时，不是一定要使用ISO值做为快门速度和f/16，还可以是用其他等效的曝光参数进行曝光。

根据拍摄环境的需要使用不同的曝光参数实现相同曝光。

在任何情形下，光圈和快门组合的正确与否决定于希望拍出什么样的照片。

曝光是否正确完全由自己决定。

对于侧面光照的物体，应该比基本的曝光值开大一挡。

对于背面光照的物体(逆光)应该开大两挡。

对于整个画面构图中都是颜色很浅的物体，应该缩小一挡。

对于颜色很深的应该开大一挡。

不过要记住，这些估计的曝光值只在没有测光表的情况下使用，它们不适用于使用TTL测光表的时候。

使用“快速f/5.6”法则。

在9月份的大晴天里，到黄石公园逆光拍摄深褐色的野牛。拍的野牛是不怎么走动的，所以使用“晴天f/16”法则。因为是深色对象，所以开大一挡；因为是逆光拍摄，所以再开大两挡。这样一共开大了三挡曝光值(从f/16开大到f/5.6)。当然你也可以开大或缩小光圈或快门的组合，以挑选一个你认为合适的曝光参数。

在明亮的太阳下拍摄，你的测光表的读数应该和“晴天f/16”法则是相近的，除非是有什么东西出了问题。

最好把相机的曝光参数预先设置为估计值，这样就可以应付一些突发的事情，有利于抓拍。

如何拍好微距 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:25:40 +0800

微距摄影是数码相机的特长之一，用微距拍摄可以把很普通的场景拍成戏剧性的场面，微距特别擅长表现花鸟鱼虫等细小的东西，对细节可以充分展示，而且也可以随心所欲地表现自己在选题、构图、用光方面的创意，不像拍摄风光、人物、民俗文化等题材，要受很多条件的制约。微距上手比较快，虽然多为小品，但其中也往往包含很多作者的良苦用心，也能称得上是精品。

微距摄影的目的是力求将主体的细节纤毫毕现的表现出来，把细微的部分巨细无遗的呈现在眼前。在微距摄影中，有一个名词是必须要认识的，它就是放大率（Magnificatlon）。因为微距摄影其实就即如放大摄影，故放大率直接影响著微距拍摄的效果。由于放大率是由菲林表面所得的影像和实物主体大小的比例来定义，故此放大率是以一个比例来表达。由于这缘故，放大率又称为「影像比例」。

日常经常听到镜头能拍到1：1、 1：2的微距效果，这些比例便是指镜头的放大率。左边的数值代表菲林平面上影像的大小，而右边的数值则代表实际主体的大小，当镜头能做到1：1的放大率时，即镜头可将实物的真实大小完全投射在菲林平面上。试举一个简单的例子：135菲林的面积为24mmx36mm，若我们使用的镜头能把一个面积同样为24mmx36mm的主体完整地记录在135菲林上，这支镜头便有1：1的放大率，大家应记住左边的数字越大，放大的倍数便越高，2：1的放大率便比1：1高。若右边的数值较左边大，放大率便越小。

现在的消费级数码相机微距功能不等，有的为10cm—20cm，有的可以达到1cm—2cm的微距。

对于单反数码相机来说，微距的拍摄能力由镜头所决定。现在，差不多每一支镜头皆有微距功能，但它们所指的微距功能其实是指镜头的近摄能力。一般来说，镜头的放大率要达至1：2甚至1：1，才称得上是微距镜头。微距镜头是最易使用的微距拍摄器材，用家毋须外加任何配件便可立即使用。一般镜头的最高解像度和最高反差度是焦点在无限远时表现出来的，但微距镜头刚好相反，它的最高解像度和最高反差度是焦点在近距离时表现出来的，故要拍摄高质素的微距照片，必须选择微距镜头。

为配合不同的需要，市面上有不同焦距的微距镜头可供选择，由20mm至135mm不等。较广角的微距镜头多会连同伸缩腔一同使用。若使用20mm微距广角镜连同伸缩接腔使用，它便能做出高达5：1-12：1的放大率。

我总觉得人像照片以静态最为理想-安塞尔.亚当斯 ... no reply

嘲风 — Fri, 23 May 2008 15:25:11 +0800

安塞尔.亚当斯

Born in 1902 in San Francisco, Ansel Adams served as one of the first photographers to capture the spirit of the American west on film. His portfolios include an extensive study of the small and grand details of Yosemite National Park, the Big Sur Coast, the Sierra Nevada, the American Southwest and America's National Parks.His work also includes portraiture, architectural studies, and commercial illustration. The diversity, evolution in style, and the historical context of his work makes Ansel Adams one of the most prolific and historically significant photographers of our time.

Ansel Adams died in 1984. His wife, Virginia, continues to live at their home in Carmel, California.

我总觉得人像照片以静态最为理想，处于安静状态的头部几乎和雕塑一样美。这和抓拍不同，要等待丰富的表情出现，结果往往失去了机会。我在运动状态下抓拍的照片很少。我认为人物特征表现在他们处于静止状态的脸上。我的这类照片大部分是这样拍的。我极少让人摆好照相的姿势，我总是等待他们放松，出现自然姿势，然后我就说‘别动’或‘就这样’！”--安塞尔.亚当斯　

　　1932年亚当斯在旧金山为当时的明星演员卡罗琳.安斯帕奇拍摄了一幅肖像照。照片拍成后，人们称之为“杰出的石雕似的人像”，有些人甚至认为它是拍摄的雕塑头像照片。亚当斯听了这些议论却很高兴。事后回忆起这幅照片的拍摄过程时，他说：“我坚信，最深刻感人的摄影人像是这样的照片，当人物的脸型能暗示出身份和个性时，照片能在静止状态下提示出被摄者的基本特征。使用一秒或一秒以上的曝光常常可以达到这一点。如果使用闪光灯的话，这就要善于抓取你所期望的表情，而不是让被摄者长时间的摆姿势。我依然坚持通常的‘抓拍’照片只不过是被摄者的一种瞬间形象，一种往往只与相机快门运动所抓取的事物有关的片断。一个画家可以把许多印象、观察到的各种形象以及各种反应加以综合，创作出一种富有表现力的形象。

　　人像摄影家只能把握一个时间的推移过程，从而在这一过程中对人物的面貌特征进行刻画。反映瞬间表情的影像偶尔可能表现出人物个性的广泛方面，但它只不过是一幅完满的人像而已。”　　

　　亚当斯还说：“构思是摄影创作中一个最重要的因素。一旦你发现被摄者的表情之后，这种表情——面部肌肉活动的瞬间停顿——可能会流逝和避开快门迅速开启的一刹那。

　　了解被摄者的个性能够使我们当中的一些人预料到富有表情的瞬间，不仅仅是在表情变化过程中辨认出它们。当然，要做到这一点而要有大量的实践经验。”